avatar
заходил 24 мая в 20:18

Избранное

avatar

Скрытые функции dj-оборудования Pioneer. Как подключить микшер и CD-проигрыватель к NI Traktor.

Опубликовал в блог Видео-обзоры
0


В этом ролике мы рассказываем как использовать встроенную звуковую карту микшера Pioneer DJM-900 в составе DVS-системы с ПО Traktor от Native Instruments. При таком варианте подключения все что вам нужно брать с собой на выступление — это две пластинки с тайм-кодом и ноутбук. Отпадает необходимость таскать с собой внешний аудиоинтерфейс и тратить время на его подключение.

Другой вариант (если в микшере нет встроенного аудиоинтерфейса) — это использование звуковой карты проигрывателей CDJ-850, 900 или 2000, а также использование их в качестве MIDI-контроллера.

DJM-850
www.baza-shop.ru/products/dj/dj_mixers/chetyre_kanala/113607/

DJM-900 NEXUS
www.baza-shop.ru/products/dj/dj_mixers/chetyre_kanala/106771/

DJM-2000 NEXUS
www.baza-shop.ru/products/dj/dj_mixers/chetyre_kanala/134214/

Pioneer CDJ-850
www.baza-shop.ru/products/dj/proigryvateli_cd/108761/

Pioneer CDJ-900
www.baza-shop.ru/products/dj/proigryvateli_cd/73582/

Pioneer CDJ-2000Nexus
www.baza-shop.ru/products/dj/proigryvateli_cd/126284/
avatar

Почему "домашних диджеев" не приглашают выступать, и что с этим делать?

Опубликовал в блог Ликбез
0

Почему «домашних диджеев» не приглашают выступать, и что с этим делать?


Домашний диджей

Знакомая история – талантливый диджей прекрасно умеет работать с музыкой, располагает неплохим оборудованием и крутыми пластинками/треками, но по какой-то причине никто не приглашает его выступать. Диджеев становится все больше, популярность диджеинга растет, а значит, попасть на вечеринку в качестве выступающего будет все сложнее. Сегодня мы попробуем разобраться с подводными камнями музыкального мира, которых следует избегать, а также дадим советы на тему того, как попасть в обойму регулярно выступающих ди-джеев.

Депрессия из-за отсутствия выступлений.


Понятно что чувствуют диджеи, которые, вроде бы, сделали все: купили хорошее оборудование, потратили кучу денег на музыку, посвятили бесчисленные дни и ночи практике и теперь хотят выступать, но никто не дает им места на вечеринках. Сегодняшний музыкальный рынок переполнен ди-джеями, и каждый из них отчаянно рвется вперед.

Всем уже давно ясно, что в 2013 году мы наблюдаем серьезные изменения в танцевальной музыке, равно как и в роли диджея. До появления Интернета эти люди были нарасхват, ведь они являлись эдакими «проводниками» музыкального мира. Собрать приличную коллекцию музыки в 80-х и 90-х было делом весьма непростым. Более того, важность и роль ди-джеев была сильно преувеличена в конце 90-х годов с появлением суперзвезд мира диджеинга. Однако с тех пор все кардинально изменилось – количество препятствий на пути к освоению искусства микширования уменьшилось, а пресловутые «проводники» и вовсе исчезли. Сегодня каждый второй может стать «экспертом» в танцевальной музыке… Как гласит одна пословица: «Когда все являются экспертами, экспертом не является никто».

Как и в любом другом деле, куда важнее, кого вы знаете, чем что. Так было 20 лет назад, и так есть сегодня. Наверняка вы слышали об этом не один раз – ночная жизнь и успех в ней сильно зависят от наличия связей. Навыки и умения — ничто без связей. Точка.

Это не та статья, где мы дадим вам какой-нибудь примитивный список из 10 шагов к успеху, пятизначным суммам за сет и красной ковровой дорожке. Танцевальная музыка вновь может набрать популярность, но факт остается фактом – хороших диджеев много, а пробиваются все равно единицы. Менее 5 процентов диджеев из всех сегодняшних новичков смогут впоследствии стать профессионалами и зарабатывать диджеингом себе на жизнь. Однако очень важно, чтобы эти «менее 5 процентов диджеев» не совершали ошибок, о которых мы расскажем в этой статье, особенно в течение самых главных, основообразующих лет своей карьеры.

Подумайте-ка внимательно, а не совершаете ли вы сами одну из этих ошибок прямо сейчас? Каждая из них может стоить разницы между постоянными выступлениями и полной безвестностью.

Итак, вас не приглашают выступать, потому что:

1. Вы не позиционируете себя как Диджей.



Это печально – в мире сегодня диджеев больше, чем когда бы то ни было, однако на каждой вечеринке они играют одни и те же треки из Beatport Top 100. Это забавно, ведь еще двадцать лет назад, в эру куда меньших возможностей, у каждого ди-джея был свой уникальный трек-лист. Конечно, были и так называемые «гимны поколения» — хиты, звучавшие у всех диджеев – однако в целом репертуар каждого выступающего был уникальным.

Сегодня у нас такой доступ к музыке, какого в 90-х не было ни у кого, но это только сделало ди-джеев ленивыми – теперь они ставят треки из чартов и из Beatport Top 100. Да, сегодня легко искать и находить музыку, но это не значит, что не нужно стараться искать что-то необычное. В следующий раз, когда будете на Beatport, может, стоит заглянуть в раздел с новыми треками в вашем жанре, чем снова скачивать музыку из топ-100?

Попробуйте пройтись по различным демо-записям на Soundcloud, например. Конечно, там будет много откровенного шлака, но, поверьте, тщательные поиски в неизвестной музыке, которую еще нигде не играют, воздаются сторицей. Чтобы раскачать толпу, нужно соблюдать баланс между проверенными треками и новинками – всегда должна присутствовать доля риска.

Спросите себя: «А кем я являюсь, будучи ди-джеем?». Конечно, можно ответить на вопрос, исходя из вашего музыкального стиля. Программное обеспечение поможет подобрать звуки и свести композицию, но никто и ничто, кроме вас самих, не найдет отличную музыку. Это еще один способ выделиться из толпы других диджеев. Чего ради промоутерам приглашать вас на концерты, если вы ставите все ту же хрень, что ставят все остальные? Вокруг полным-полно других диджеев, делающих то же самое, не говоря уж о «музыкальных автоматах», у которых запросы совсем скромные – эти парни готовы играть всю ночь за 500 руб! Ну, так что, ты хочешь быть клоном, одним из многих, или все же хочется быть особенным?

2. Вы не практикуетесь регулярно.



Если вы не упражняетесь, вы не хотите быть диджеем. Практика требует времени. Ей нужно посвящать время каждый день, приобретая новые навыки и расширяя кругозор музыкальных знаний. Это означает, что вы должны помнить абсолютно каждый трек вашей музыкальной библиотеки или знать каждую пластинку из вашей коллекции. Это также предполагает выбор удачных композиций для тех или иных моментов, а также понимание, какие же треки лучше всего идут в паре друг с другом. Что хорошего в том, что у вас 25000 композиций на жестком диске, если знаете вы от силы 25?

В общем, будьте готовы посвящать музыкальному мастерству действительно много времени и сил.
Диджеи без достаточной практики вряд ли смогут создать яркий, уникальный и гармоничный сет. На каждого Ричи Хоутина приходятся сотни ребят, которые лепят в один список не сочетающиеся композиции.

Что самое важное — практика является единственным способом обрести свой стиль. Сложно прославиться, будучи «просто» диджеем, нужно искать что-то уникальное, свойственное только вам. Саша и Ричи Хоутин были первыми, кто стал выступать с программой Ableton, хотя в то время немногие вообще догадывались о существовании этого ПО. Джефф Миллс и Энди Си прославились тем, что использовали три или четыре вертушки одновременно.

Во всех этих случаях их стиль пытались имитировать тысячи диджеев, но это подобно тому, как тысячи гитаристов начали подражать Джимми Хендриксу, когда он начал вытворять со своей гитарой безумные вещи, поджигая ее и выжимая максимум из ее потенциала, используя всякие эффекты и пр. Но, нет смысла повторять за ним 45 лет спустя – вы просто сделаете то, что уже было. И если вы хороши в микшировании, это не значит, что вы станете следующим Джеймсом Забиеллой. Думайте больше о том, как завоевать симпатии публики, микшируя и работая с музыкой по-своему, по-особенному, и рано или поздно вы обретете свой неповторимый стиль. Мечты становятся реальностью лишь спустя годы практики.

3. Вы боитесь получить отказ.

Если вас не включили в список выступающих – это не конец карьеры, поверьте. Если вы уже сколь бы то ни было известны, будьте готовы к слову «нет». Вы будете часто его слышать. Даже если вы способны раскачать толпу, у каждого организатора есть куча хороших диджеев на примете, каждый из которых в течение долгого времени налаживал и укреплял контакты с промоутерами. На крупных мероприятиях каждый из этих диджеев готов лезть из кожи вон, чтобы отыграть бесплатно.

Здесь все, как в поиске работы – сама она вас искать не будет. Сперва придется выйти в свет и начать действовать. Напишите Вконтакте или на Facebook организаторам, которые устраивают вечеринки с близкой вам музыкальной тематикой. Расскажите им о себе и своей музыке, а также о вечеринках, где вы уже играли, и не забудьте объяснить им, почему им нужно пригласить вас. Подумайте, ЧТО именно ВЫ можете им дать, а не наоборот. Напишите сопроводительное письмо или резюме (один небольшой абзац), а также прикрепите ссылку на ваш сайт и аккаунт на Promodj или Soundcloud. У вас ведь есть и то, и другое, правда?

Воспринимайте каждый ответ от организаторов как приятный сюрприз – их поначалу будет очень немного. Вам нужно быть терпеливым и настойчивым, то есть пройти через период отказов и научиться правильно принимать их. Промоутеры постоянно получают письма от желающих выступить ди-джеев, и, если вы не очень часто играете, вам придется доказывать организаторам свою профпригодность. Не рассчитывайте что вам дадут раскрыть свой талант перед огромной толпой, пока вы не покажете им все, на что способны – просто и логично.

Но помните! Если вы не спросите промоутера, можно ли вам выступить, ответ ВСЕГДА будет отрицательным. Им совершенно некогда изучать и долго возиться с каждым отдельным диджеем, так что вам нужно самостоятельно попасть и удержаться в их поле зрения. Если вы стесняетесь продавать себя, вероятно, что вы не уверены в себе именно как в диджеев и в том, что ваше творчество можно продавать. Ну, тогда марш домой – работайте, пока не осознаете, что достойны успеха.

4. Вы не слишком интересуетесь мнением незнакомых людей.

Разделы «Ваши миксы» и подобные на форумах диджеев идеально подходят для получения независимого мнения незнакомых вам людей. Вы должны буквально упрашивать незнакомых людей оценить вашу работу. Cемья и друзья к ним явно не относятся – им любая ерунда покажется шедевром, ведь ее создали вы. Распространяйте свои миксы за пределы вашего окружения. Публикуйте ссылки с трек-листом в тех сообществах, где наслаждаются музыкой самые требовательные меломаны, которые о вас и слыхом не слыхивали. Отправьте свою музыку опытным диджеям, которые выступают в вашем городе дольше, чем вы живете на свете – вдруг они посоветуют что-то дельное. Музыка – штука субъективная, так что будьте готовы к троллингу и грубости в комментариях, но распространение своей музыки вне зоны комфорта в любом случае является наилучшим способом для получения независимых и честных отзывов. А вот если нет вообще никакого отклика, значит, ваши миксы просто затерялись в массе себе подобных, не сумев впечатлить, зацепить, вызвать хоть какие-то эмоции. Возможно, дело в предсказуемом трек-листе. В общем, это значит, что пора развиваться и работать еще усерднее.

Многие музыканты перестают расти – они позволяют хвалебным отзывам друзей и родных вскружить себе голову, а сами становятся высокомерными или, хуже того, самовлюбленными. Нет ни одного диджея, кому друзья не говорили бы, какой он крутой.

5. Вы ищете последователей, а не фанатов.

Даже если у вас есть последователи, это не значит, что они увлечены вами и уделяют вам должное количество внимания. Социальные медиа – самое переменчивое и быстро развивающееся явление Интернета с момента его появления. Вконтакте, Facebook, Twitter и Soundcloud позволяют появляться новым именам и быть ближе к поклонникам более известным и опытным артистам. Музыканты уже давно не считаются небожителями. Фанаты жаждут знать, как любят подебоширить и похулиганить их герои и кумиры.

Но, совершенно точно, что ваша жизнь вовсе не такая веселая, как у того же Diplo. Люди не полезут в Instagram или Twitter, чтобы прочитать о ваших унылых и неинтересных свершениях за день. Недостатком социальных медиа является то, что мы становимся эгоистами. Мы буквально одержимы количеством «лайков» к нашим статусам и числом людей, читающих наши записи. Все, все вокруг хотят иметь последователей. Но это может длиться годами, а вам нужно добиться успеха куда быстрее, если вы хотите, чтобы число ваших слушателей и дальше росло.

Знаете, как легко и эффективно лишиться последователей? Прекратите относиться к ним как к фанам и начните воспринимать их лишь как слушателей. Публикуйте какие-то общие статусы и мысли о своем творчестве, о предстоящих вечеринках и обязательных вещах типа «что я сегодня съел на завтрак», и вас скоро забудут абсолютно все. Вы ведь являетесь собственной ходячей рекламой! Публикуйте информацию о тех музыкантах, кто нравится вам, говорите о концертах, дискутируйте с единомышленниками и благодарите всех и каждого, кто пришел на ваше выступление, добивайтесь уникальности. Используйте Twitter или Facebook для анонса концертов, только не нужно ограничиваться этими анонсами – общайтесь с публикой! Хватит переживать из-за «лайков» и тому подобных вещей. Что толку от 10000 людей, поставивших «мне нравится», если реально заинтересованы в вас лишь единицы? Думайте о тех 500 фанатах, которых вы уже имеете, чем о 10000 последователях, о которых вы мечтаете.

И не надо становиться такими же, как диджеи, которые публикуют свои миксы где только можно, не останавливаясь ни перед чем – Вконтакте на страницах незнакомых людей, на страницах событий, с которыми они никак не связаны, в комментариях к трекам других людей на Soundcloud и так далее. Заметьте, таких людей никто не зовет выступать, не так ли? Им только осталось сделать всплывающую рекламу наподобие рекламы Виагры и подобных вещей.

Заметьте еще и то, что они плохи не только в диджеинге, но и в создании собственной аудитории, они провалились с самого начала. Нечего стесняться маленькой аудитории на начальном этапе продвижения, вам просто нужно найти свою тактику продвижения в Сети, избегая навязчивости и отчаянных попыток понравиться людям. В конце концов, именно хорошая музыка привлекает фанатов и заставляет их обсуждать вас!

Продолжение статьи. Часть 2>>
avatar

Покупка проигрывателя винила с рук. Что и как проверять.

Опубликовал в блог Ликбез
0

На что обратить внимание при покупке б/у проигрывателя Technics sl-12X0mkX.


Technics SL1210MK2

1. Год выпуска проигрывателя
На самом деле, год выпуска проигрывателя не играет практически никакой роли. Гораздо более важным является техническое состояние, условия эксплуатации (дом, клуб, аренда и т.п.), косметическое состояние и комплектность. Наличие игол в комплекте зависит от желания продавца, изначально с проигрывателем в комплекте иглы нет.

Technics strobo

2. Питч фейдер
Должен передвигатся плавно, без рывков. Не должен «плавать» — проведите им от -8 до +8 глядя на стробо-шарики — они должны плавно менять скорость вращения, если на каком-то участке они дергаются — питч «плывет».

На торце платтера проигрывателя расположены 4 ряда меток, которые подсвечиваются красной подсветкой стробоскопа, расположенного под рукояткой включения питания. Рядом расположена легенда с пиктограммами, на которой приведена расшифровка значений меток. Эти метки служат для точного определения скорости вращения платтера в процентах от нулевого значения, а также для определения самого нулевого значения питча, соответстующего 33,3 и 45 оборотам в минуту (в зависимости от режима — 33/45)
+6% Верхний ряд меток должен стать неподвижным, если питч-фейдер
выставить на значение +6% от нуля.
+3.3% Второй ряд меток соответствует питч-фейдеру, установленному в
положение +3.3% от нулевого.
0% Большие точки (третий ряд сверху) соответствуют нулевой позиции питч-фейдера.
-3.3% Последний нижний ряд контрольных меток должен соответствовать
позициии питча в положении -3.3%

Если на вашем проигрывателе контрольные метки не останавливаются при установке питч-фейдера на соответствующие позиции, то скорее всего потребуется замена потенциометра питча и/или его колибровка.

Technics

3. Тонарм
Осветите зажигалкой или фонариком его торец (место крепления иглы). 4 контактные тычинки должны блестеть и не быть обшелушенными. В противном случае у вас не будет либо одного канала, либо в последствии обоих.
Также, обязательно проверьте ход тонарма. Он должен откликаться на регулировку антискейтинга, а в положении «0» иметь возможность зависать в любых положениях. Проверка осуществляется про нулевой нагрузке на иглу.

Technics tonearm

4. Провода
Провода должны проводить сигнал — никаких посторонних фонов, треска и и прочих помех быть не должно. То же касается и колокольчиков (RCA разъемов). Шнур заземления равен по длинне сигнальному кабелю.

Technics SL1210MK2

5. Платтер и шпиндель
Выдерните платтер за два круглых отверстия и осмотрите магнит — он не должен иметь сколов и других повреждений. Если стробошарики сильно загрязнены — стоит подумать о продолжительности использования предыдущем владельцем. Осмотрите шпиндель — хорошо ли он смазан?

Technics SL1210MK2 platter

А вот видео-версия статьи для лучшего закрепления материала :)

avatar

История лейбла Kompakt.

Опубликовал в блог Интервью
0

История лейбла Kompakt.


Kompakt. Минимализм. Кельн. Для поклонников электронной музыки эти три слова неразрывно связаны друг с другом. Достигнув зенита славы, лейбл стал ассоциироваться как с жанром танцевальной музыки, так и с самим городом. Но история развития Kompakt намного более сложная и витиеватая. В прошлом месяце лейбл отметил свое 20-летие. Но годовщина эта не совсем точная. В 1993 году Вольфганг Фойгт, Йорг Бургер и Ингмар Кох открыли музыкальный магазин, который назвали Delerium. Вскоре к ним присоединились Михаэль Майер, Юрген Паапе и Рейнхард Фойгт, но имя Kompakt было дано компании лишь пять лет спустя.

На тот момент по-другому быть просто не могло, в этом был смысл. Йорг и Вольфганг основали невероятное количество псевдонимов(названий проектов) и лейблов. За те пять лет, занимаясь музыкой и бизнесом, они поняли, что им лучше всего объединиться под одной крышей. В буквальном смысле этого слова. Сейчас в здании Kompakt располагается магазин, дистрибьюторский центр, офисы самого лейбла, студии и жилые помещения для некоторых работников. Это не просто семейный бизнес. Это нечто большее.
Но в то же время некоторые журналисты постоянно писали о том, что люди, работающие в Kompakt, создали чуть ли не «свой собственный культ». Многие из этих камней летели в адрес лейбла, когда он находился на пике своей славы. Тогда Kompakt чуть не каждую неделю выпускал пластинки, становившиеся впоследствии классикой, − Prototype Rex The Dog, Happiness Суперпитчера, Lovefood Михаэля Майера, 2 After 909 Юстуса Кенке – в общем, все к чему приложил руку Юрген Паапе. Как говорят в самом лейбле, в какой-то момент успех стал переливаться через край. За прорывом всегда должен следовать спад. И когда в музыкальной индустрии наступило затишье, то же самое произошло и в Kompakt. Легко завязавшиеся, панибратские отношения с миром электронной музыки ослабли, и для компании начался непростой период.

Однако благодаря успеху таких музыкантов, как Ги Боратто и The Field, и хорошо налаженной дистрибьюторской сети, Kompakt снова поднялся на ноги. Судя по количеству групп, с которыми лейбл подписал контракт за последние пару лет, Kompakt можно смело называть немецким аналогом Warp Records. Продолжат ли они движение в гору, покажет время. Ведь лейблу всего 20 лет, и у него еще все впереди.

Kompakt

Kompakt

Kompakt

Kompakt

Kompakt
Вольфганг Фойгт (соучредитель лейбла Kompakt, музыкант): Я познакомился с Йоргом Бургером в Кельне в 1981 году. Мы оба играли в группе New Wave, созданной под влиянием Palais Schaumburg и DAF.

Йорг Бургер (соучредитель лейбла Kompakt, музыкант): В 1983 году мы записали свою первую совместную песню. В то время я еще играл в той инди-поп группе, поэтому мы одновременно работали над несколькими проектами. Так продолжалось все 80-е. Мы записывали музыку в стиле групп Scritti Politti и Prefab Sprout.

Ральф Кристоф (отвечает за стратегию лейбла): Если вы проследите развитие Вольфганга Фойгта как музыканта, то увидите в его карьере наблюдается несколько вех – например, влияние Roxy Music или Дэвида Боуи.

Вольфганг Фойгт: Тогда мы очень увлекались британским попом. Я был фанатом Scritti Politti. Мне нравились их философские идеи в текстах их песен и, конечно, невероятный звук. Меня всегда больше привлекала компьютерная обработка и создание искусственной поп-музыки, а не принцип «четыре парня играют на гитарах».

Йорг Бургер: Где-то в 1987 году мы узнали, что такое айсид-хауз. Для нас это стало настоящим откровением. Мы тогда работали в студии под названием White House. Там записывал альбом Эдвин Коллинз (из группы Orange Juice). Неподалеку от студии был клуб, где играли хауз и ранний эйсид-хауз. Мы услышали звучание того известного синтезатора TB-303 и подумали: «Господи, что это такое?»

Ральф Кристоф: На главной улице располагался клуб Rave, и именно с того клуба началось увлечение Вольфганга и Йорга эйсидом.

Вольфганг Фойгт: Rave действительно был первым клубом, обладавшим таким стилем и таким духом, хотя ту музыку, которую мы хотели услышать, там играли лишь дважды в неделю. Кажется, по средам Роланд Каспер и другие играли ранний эйсид, а по пятницам начинали с хип-хопа. Мы все жали, пока он закончится, пока кто-нибудь не включал «Oochy Koochy» в исполнении Baby Ford или что-то подобное.

Ральф Кристоф: Но когда Rave закрыли, музыкальная сцена опустела. Потом появились настоящие ребята, игравшие техно под влиянием эйсид-хауза − Sascha [Kösch, или Bleed] и Riley [Reinhold, или Triple R]. Они устраивали вечеринки под названием Cosmic Orgasm заброшенных домах. Чистое техно.

Рили Рейнхольд (основатель Trapez): Когда я начинал в 1989, я испытывал легкое разочарование, потому что в городе было много групп, которым было фактически негде показать себя. Да, было несколько клубов (например, Rave), где можно было услышать Маршалла Джеферсона, но все они были коммерческие.

Bleed (редактор De:Bug): У нас с Рили панковское прошлое, поэтому нам в голову пришла вполне естественная для нас идея – организовывать вечеринки в пустующих помещениях.

Рили Рейнхольд: Фабрики, канализационные подвалы, площадки под мостами. У нас один друг был электриком, так что мы легко подключали электричество. Нас не устраивала сцена танцевальной музыки Кельна. Мы хотели все делать сами, создавать свою атмосферу. В этом и заключалась наша цель.

Ингмар Кох (Liquid Sky Berlin): Triple R устаивал отличные вечеринки в середине 90-х.

Kompakt Cosmic

Рили Рейнхольд: Я помню, как впервые встретил Вольфганга. Мы играли в какой-то заброшенном доме, и Вольфганг подошел ко мне со своим братом и Bolz Bolz. Они все пришли на вечеринку, выстроились в ряд, и, сложив руки, словно хип-хопперы, слушали. Они стояли там, словно жюри. Единственное, что я потом услышал от них, это то, что мы не сыграли крутой чикагский хаус, который в то время был очень популярен. Но мы играли в английском стиле, потому что он, по нашем мнению, звучал более ново.

Bleed: Вольфганг был очень серьезным и странным чуваком.

Йорг Бургер: Мы играли поп и инди, записывались в студии, но мы подходили ко всему этому с другого ракурса. Мы были музыкантами. Но в то же время мы смотрели на себя как на хипстеров. Мы всегда проявляли ко всему интерес. Вот почему мы на неделю отправились в Лондон, чтобы посмотреть, как там обстоят дела с эйсид-хаусом.

Вольфганг Фойгт: В тот момент для меня танцевальная музыка начала становиться андеграудной. Раньше андеграудом считались группы, игравшие на гитарах.

Bleed: Ингмар Кох тоже был с нами с самого начала. Он был и остается очень психоделичной личностью.

Ингмар Кох: Я познакомился с Вольфгангом через Bolz Bolz. Он работал с Йоргом и Вольфгангом в студии в Кельне. Я в то время работал в коммерческой звукозаписывающей компании, помогал делать неинтересную музыку. И я подумал, что если я не могу заработать денег на коммерческой музыке, то пошло оно все к черту, буду заниматься чем-нибудь другим. Нет смысла пробовать создавать коммерческую музыку. Вольфганг научил меня работать с синтезатором 303, и через три года мы уже устраивали «синтезаторные бои». Эйсид-музыка изменила нашу жизнь.

Йорг Бургер: С 1987 по 1989 мы формировали свой собственный стиль.

Вольфганг Фойгт: Первая пластинка в этом направлении вышла в 1991 году. Мы стали выпускать альбомы под нашими первыми лейблами − Monochrome и Trans Atalantic. А потом открыли во Франкфурте музыкальный магазин Delirium…

Рили Рейнхольд: У Ингмара была сотня идей, 50 из которых он реализовывал. Это было ровно в 50 раз больше, чем у других людей в Кельне.

Ингмар Кох: Раньше я жил во Франкфурте и задавался вопросом, будут ли они открывать другие магазины, потому что Delirium во Франкфурте был очень популярен. Конечно, были и другие музыкальные магазины, но мы подумали, что лучше открыть еще один магазин с техно и электронной танцевальной музыкой.

Вольфганг Фойгт: Ингмар хорошо разбирался в бизнесе и продажах. А мы, в свою очередь, вышли из серьезной субкультуры. У нас с Йоргом был авторитет, а у него – деньги. Мне нравилась эта комбинация, потому что ему по душе наш стиль и он знал, как все это устроить. В то время у нас особо не было других дел, поэтому мы решили: «Хорошо, почему бы и нет?». Мы очень быстро приняли решение об открытии музыкального магазина. Мы можем читать, тусоваться, это просто, для этого не нужно каких-то особых знаний. Это произошло незапланированно. Мы даже не думали об открытии музыкального магазина, особенно я.

Рейнхард Фойгт (соучредитель лейбла Kompakt): Я все еще помню тот обед, когда Вольфганг и Йорг предложили мне и Юргену [Паапе] заняться открытием музыкального магазина. Мы оба тогда учились в университете. Но нам это было неинтересно, и поэтому мы легко согласились. Почему бы и нет? Мы основали небольшой магазинчик. За 8 тыс. марок мы купили все, что нам было нужно: пластинки, краску.

Kompakt Delirium

Kompakt Delirium

Майкл Майер (соучредитель лейбла Kompakt, музыкант): Я очень обрадовался новости, что у нас в городе появится новый музыкальный магазин, потому что те магазины, которые были на тот момент, меня не устраивали. Франкфуртский Delirium стал одним из лучших музыкальных магазинов в стране, поэтому все ожидали, что Delirium в Кельне будет так же популярен.

Рейнхард Фойгт: Михаэль пришел туда в первый же день в качестве покупателя.

Михаэль Майер: Я ждал у входной двери, пока они откроются. Когда я наконец вошел, у меня был шок. Пара коробок с пластинками и четыре парня за прилавком. У них были странные прически и одежда, но они вели себя приветливо. Я просмотрел все альбомы, что у них были, подошел к прилавку и спросил: «Вы что, шутите?». У них было всего лишь три-четыре лейбла. И все. Никаких «новых импортных пластинок». Я спросил, будут ли они расширять ассортимент и получил в ответ: «Да мы не знаем, нам все равно». Это потому что никто из этих парней не был диджеем. Им скорее было интересно открыть место, где могли бы зависать любители музыки.

Вольфганг Фойгт: С того самого момента мы поняли, что не хотим заниматься этим в одиночку. Да, было классно иметь музыкальный магазин, но также неплохо бы было организовать место для любителей техно и в Кельне. Я не диджей. Я – противоположность Михаэля Майера. Он знает все пластинки, а я – нет.

Джон Берри (менеджер лейбла Kompakt, продвижение артистов): Уверен, что вы уже слышали историю о Михаэле – самоуверенном парне, который явился в музыкальный магазин и сказал им, чего им там не хватает.

Михаэль Майер: Я пару раз к ним поприставал, а потом они не выдержали и сунули мне список: «Если ты такой умный, то давай, занимайся заказами». Я стал работать там пару часов в неделю, а потом перешел и на полный рабочий день. Через полгода я вложил в магазин немного денег, которые получил в наследство от бабушки, и стал партнером.

Bleed: Это был неказистый магазинчик. В Кельне очень трудно найти хорошее место для магазина, поэтому им попалось какое-то ужасное помещение, которое раньше было, наверное, пабом. На стенах были деревянные панели, а после того как они покрасили их в синий (или зеленый) цвет, они стали уже ужаснее. Мы с Рили торчали там каждый день по несколько часов.

Юстус Конке: Михаэль [Майер] и Тоби [Тобиас Томас] торчали там целыми днями. И мы тоже, потому что Кельн – это, по сути, маленькая деревня. Мы зависали в Delirium и в Groove Attack, где продавался в основном хаус.

Матиас Агуайо (музыкант, записывающийся на лейбле Kompakt): Там можно было и косяки курить.

Юстус Конке (музыкант, записывающийся на лейбле Kompakt): Вольфганг однажды сказал: «Это отличная возможность начать культурно пить днем».

Ральф Кристоф: Люди приходили туда пообщаться, выпить пива, послушать музыку, договориться о чем-нибудь. Это было место встреч.

Михаэль Майер: Думаю, этот магазин стал первым большим достижением будущей компании. У нас не было чувства, что мы вошли в круг каких-то суперважных людей. Мы сидели на прилавке, курили косяки, пили пиво и болтали.

Тобиас Томас: Этот магазин не был похож на другие музыкальные магазины Кельна. Для большинства техно была холодной искусственной музыкой для наркоманов. Ребята из Delirium развеяли этот стереотип, потому что они вышли из поп-культуры, из поп-музыки 80-х. Это их отличало. Это были улыбчивые, дружелюбные, умные ребята, с которыми было интересно поговорить на любые темы. Они не были похожи на любителей техно начала 90-х: странные шмотки, наркотики и только «тыц-тыц-тыц» в голове.

Bleed: Я покупал там пластинки драм-н-бэйс, но они закупали их фактически только для меня и еще пары моих друзей. Вольфганг терпеть не мог это направление. Он признавал, что в плане сэмплов и всего другого эта музыка находилась на очень высоком уровне, но это просто был совершенно не их стиль.

Йорг Бургер: Через месяц после открытия магазина у меня родилась дочь, поэтому я, естественно, стал заниматься разумной деятельностью в магазине − вести бухгалтерскую отчетность. В то время этим занимался фактически я один.

Продолжение. Часть 2 >>
avatar

Студия Neva Deep

Опубликовал в блог Видео-обзоры
0


Мы побывали в гостях на студии Neva Deep, в которой трудятся Андрей BarBQ и dj Raf (их совместный проект наывается Gulfkeepers).

Оборудование, которое используется в студии: Tapco S8, Mackie Onyx 1640i, Lexicon mx400, Focusrite Platinum 3 Compounder, BBE MaxCom, Long Stereo Channel, Korg ms2000, Elektron Machinedrum sps-1 uw mk II, Roland Juno 106, Vermona PerFourMer 1, Октава мк 101.

Кстати, Андрей занимается мастерингом и сведением, так что welcome: Barbqmusic@gmail.com
avatar

Sven Vath

Опубликовал в блог Интервью
0
Sven Vath

Добро пожаловать в Берлин, Sven. Ты помнишь когда ты впервые соприкоснулся с музыкальной сценой здесь?

Коротко говоря, после падения Берлинской стены в 1989 я и другие артисты из Франкфурта (Jam & Spoon, Pascal F.E.O.S., Dag and Moses P) собрались в автобус и поехали до самого Берлина. Мы устроили там
что-то вроде спонтанного выступления. Это было примерно в то время, когда я впервые встретил Dr. Motte, основателя Love Parade, в клубе UFO. Полагаю, это и было тем, что можно считать первым соприкосновением с Берлинской сценой. В 90е Tresor стал моим основным лейблом, так как мы с Dimitri Hegemann всегда были хорошими друзьями. Это были по-настоящему великолепные ночи, когда я играл в том подвале. Но я также регулярно играл в E-Werk, Planet, Maria am Ostbahnhof и в старом Ostgut, в котором мы устроили несколько вечеринок в те времена.

Сегодня ты редкий гость в Берлине, в чем причина?

Я оставил Love Parade в 2000-м в связи с личными и политическими причинами. Мои поездки в Берлин так или иначе, всегда были связаны с этим событием, так что, вместе с тем как я перестал играть на Love Parade, потерялись и контакты с местной клубной сценой.

Sven Vath

Потерялся контакт и относительно музыки?

Нет, потому что я думаю, звук который сделал Берлин знаменитым в последнее десятилетие в значительной степени был зарожден людьми, которых я уже знал: такие диджеи как Ricardo
Villalobos, Heiko Laux приехали в Берлин из Мюнхена раньше чем кто либо еще. Так что, то что образовалось в Берлине не было таким уж «новым», скорее, это происходило под влиянием более старых и авторитетных артистов. Только недавно появилось самостоятельное направление благодаря поколению молодых артистов. Тем не менее, многие из моих друзей все еще живут и работают в Берлине.

Ты, с другой стороны, всегда оставался во Франкфурте. Как же так?

Мы раньше шутили: те, у кого не получилось во Франкфурте — переехали в Берлин (смеется). Ho серьезно, Франкфурт — мой родной город. Здесь я всегда мог следовать моим музыкальным взглядам. Конечно, он довольно маленький. Но, опять таки, тут всегда было полно талантливых артистов. Не стоит сравнивать Франкфурт с Берлином, так как они сильно отличаются по тому как люди отдыхают: во Франкфурте мероприятия организовываются под выходной, в Берлине же кажется, каждый день как
суббота, по крайней мере в отношении музыки.

Так и ты обычно разделяешь свое время? Вечеринка на выходных, а в понедельник обратно в офис?

Ну.., Так всегда и было.

Правда?

(смеéтся) Ну ладно, может не по понедельникам. Но я всегда делал дела на буднях. Сейчас все еще сложнее: я провожу большую часть лета на Ибице с семьей, с октября по декабрь я снова во Франкфурте — планирую
следующий год. Весной я обычно уезжаю из Европы в продолжительное турне. Плюс семья, друзья, прослушивание записей для миксов. И ты понимаешь, что организация времени — самая важная часть планирования.

Sven Vath

Говоря об Ибице, этот летний сезон снова стал довольно успешным. Как бы ты объяснил такое постоянство?

Интенсивность и энергетика там правда уникальны. Для меня, это и «плавильный котел» и отправная точка для многих моментов в клубной культуре. Нет больше такого места, которое объединяло бы так много
клубов, развлечений, культуры и красивейших видов на одном маленьком острове.

Так значит ничего не изменилось?

Ну, сейчас можно заметить странные флаеры на вечеринки с Lady GaGa или Kylie Minogue. Ибица стала модным словечком в гламурном мире Сан-Тропе и Монако, откуда появилась новая, пафосная публика на острове. Это немного огорчает, потому что Ибица хорошо известна своим свободным духом — наследием культуры хиппи 70-х. Многие годы Ибица привлекала людей всего лишь для веселья. В клубах можно было встретить людей за 50, которые просто хотели хорошо провести время. Все выглядело довольно сдержанно, но сейчас многие люди приезжают «выпустить пар”.

Звучит, будто ты почти разочарован…

Не поймите меня неправильно: мы должны обращать внимание на подобные вещи. Но опять же, я не думаю это испортит Ибицу в отдаленной перспективе. В конце концов здесь живет так много страстных любителей
музыки! Ничто не повредит „нашим“ планам. Если вы посмотрите на заявленный состав артистов DC-10, наши вечеринки в Amnesia и т.д. Вы заметите множество новых и интересных имен. Если такие диджеи как
Jamie Jones, Seth Troxler или ребята из Visionquest „привезут“ вечеринки со своей публикой — это еще раз докажет их актуальность более молодому поколению.

Sven Vath

Когда ты впервые приехал на Ибицу?

Первый раз я приехал в 1980, путешествуя автостопом с другом до Барселоны. На момент когда мы переправились на остров у нас уже не было ни копейки. И все же нам удалось остаться почти на три месяца! Мы сперли пару шезлонгов и разбили лагерь в близлежащей лесополосе. В течение дня мы распространяли флаеры чтобы потом пройти в клубы…

Тогда ты и решил стать диджеем?

То, что я увидел там в ночных клубах оказалось для меня совершенно новым. DJ Alfredo играл сумасшедший микс в Amnesia: смесь африканских ударных с Итало Диско и „Imagine“ Джона Леннона. Мы буквально плакали на танцполе в 5 утра! Тогда я и сказал себе: „Да, я хочу этим заниматься! Bот место, которому я принадлежу!“ Я возвращался на Ибицу каждое последующее лето, впитывал музыку и записывал названия пластинок. Излишне говорить, что было не так-то просто достать их во Франкфурте. А если и удавалось, то я не был уверен смогу ли я ставить их. Когда я начал карьеру играя в „Dorian Gray“, мне постоянно приходилось биться за час своей музыки, надеясь, что босс не вылезет из-за моей спины, грозя пальцем на мой трек-лист (смеéтся).

Очевидно, тебе больше не надо беспокоиться об этом. Давай поговорим о Cocoon. Kажется, многие думают что Cocoon приходит в упадок и становится слишком коммерческим. Что ты об этом скажешь?

(длинная пауза) Я вижу, что Cocoon задает определенное направление, особенно наш клуб. Когда мы начинали, мы знали, что многие не cмогут „понять“, не смогут связать это с нашей идеей. Опять же, большинство этих людей не вникают, чего мы пытаемся добиться с Cocoon. Во все, что
мы делаем вложено много энтузиазма… От артистов не требуется индивидуальный подход, чтобы записыватся у нас. Они свободны делать то, что хотят, как и на любом другом лейбле.
И наши мероприятия, клуб, и наша философия служат единственной цели- предоставить артистам вдохновляющую и креативную обстановку. Конечно, это предполагает финансовые вложения, риск и порой нестандартное мышление.

Думаешь ли ты, что в электронной музыке очень маленькие риски?

Я думаю, что клубная культура, ее акцент основан на умении видеть перспективу. Но чтобы превратить ви́дения в действительность, требуется и риск и смелость. Так, если у меня есть представление о
Техно клубе 21 века и это что-то похожее на Cocoon, это в первую очередь утверждение нашей клубной культуры. И я бы хотел, чтоб больше людей приходили и делали бы тоже самое.

Однако, первая попытка c Cocoon не была особо удачной, не правда ли?

Да, сначала мы начали устраивать вечеринки под названием „Cocoon“ в 1996 году. Общая концепция была весьма экстравагантной: оформление делалось вручную в Англии и доставлялось в Германию. Мы приглашали малоизвестных диджеев из Японии и знаменитые проекты типа Underworld. В те времена я был идеалистом — не принимал никакой спонсорской поддержки. Другими словами, я вкладывал в мероприятия большую часть своих собственных сбережений. И практически все потратил таким образом.

Какой урок ты вынес из этого?

Я понял, что значит организация огромныx мероприятий. И я осознал, что все в целом пришло слишком быстро. В 1997 году я разошелся с Eye Q и Harthouse за год до того, как они объявили о банкротстве. В 1998 клуб Omen наконец закрыл свои двери после длительного конфликта с владельцами помещения и органами государственной власти. Впервые в жизни я буквально остался один. Этот разрыв был необходим, чтобы я
снова смог как следует сосредоточиться на Cocoon. Итак, в 2000-м мы совершили новую попытку. Но на этот раз мы начали с букинг-агентства и стали развивать это направление.

За 10 лет Cocoon стал довольно успешной компанией. Ты все еще считаешь себя артистом или скорее бизнесменом?

А вот и то, о чем многие люди не очень любят говорить. Но, каждый лейбл, каждое букинг-агентство и каждый клуб должны оплачивать счета в конце месяца. И это становится важнее и важнее по
мере роста твоего дела. Сегодня Cocoon предоставляет множество вакансий большому количеству людей. Ежедневные операции сложнее, чем когда либо раньше. Теперь это не только продажа миллионов пластинок. Если ты скорее хочешь жить этим делом, чем заниматься им как хобби, тебе необходимо и удовольствие от работы и определенная доля профессионализма. И это — то, что я делаю, и то, во что многие люди не врубаются. По их мнению, если ты успешно управляешь компанией — ты продаешься. А то, что мы делаем не имеет ничего общего с „распродажей“!

Как думаешь, концепция твоего лейбла и букинг-агентства вдохновляет другие лейблы?

Конечно, а почему нет? Возьмите к примеру Luciano. Он какое-то время играл на нашей террасе в Amnesia. Недавно его лейбл Cadenza стал вполне самостоятельным букинг-агентством и организатором вечеринок,
проводящим собственное мероприятие в Pacha. И я на него не в обиде! Как раз наоборот, правда: я восхищаюсь людьми, которые вкладывают свои успехи в общее дело.

Sven Vath

Ты так же известен как пользователь социальных сетей и креативных промо-компаний.

Конечно, все каналы чрезвычайно важны, поэтому мы запустили новый сайт этим летом. Наше импульсивно развивающееся общество привыкло к соц. сетям, скорости и многообразию информации по одному клику мыши. Я и сам-то иногда не поспеваю…

В каком смысле?

Например, мне не требуется выкладывать фотографии со своего ужина на Facebook каждый день, как делают некоторые мои коллеги…(смеéтся)

Значит, ты разграничиваешь бизнес и личные дела.

Именно!

Микс Lawrence „Timeless“ получил довольно жесткие комментарии на форуме RA, только потому, что он был выпущен на твоем лейбле. Видимо, некоторые думают, что Cocoon и Dial не очень ладят между собой...

Всегда будут люди, оценивающие со стороны, не зная реальных фактов. Я имею ввиду, почему мы не можем выпустить его? Я долгое время являюсь поклонником его творчества. Он даже выпустил трек под псевдонимом Sten на одной из наших компиляций, равно как и я играл треки с Dial в своих миксах. Так что, я просто не понимаю…

Но откуда берутся все эти „разговоры“?

Все дело в присваивании ярлыков. Люди любят рассуждать типа: Вот, Посмотрите — это Kompakt, а вот это Dial, эти — сосредоточены на самих себе, а эти меланхоличнее. Все аккуратно разложено по маленьким
коробочкам. Но это чушь! Есть ли что нибудь столь же глобальное и объединенное, как наша музыка?
Каждый уикенд мы подтверждаем это, играя в Корее или Чили, во Франкфурте или Берлине чтобы соединить музыку и ее слушателя.

Объединение людей — часть общей концепции?

Точно! Собственно, я являюсь культурным послом немецкого Гете-института в отношении электронной музыки. Ранее в этом году меня попросили выступить на обсуждении в Токио перед 300 высокопоставленными лицами: экономистами, музыкантами, писателями и людьми такого плана. Я был очень взволнован и в то же время удивлен их пониманию и уважению к электронной музыке! Это заставило меня осознать как далеко мы продвинулись и что, это крайне важно делиться вашими знаниями. Не говоря о том, сколько добрых слов я должен сказать в ответ японцам: Без Roland 303 и 808 техно, возможно, вообще никогда бы не существовало.

Помимо Японии, какие страны особенно впечатлили тебя за последний год?

Перу в значительной мере.То, как люди веселились почти в ритуальном стиле поразило даже меня — и я видел много интересного за последние годы. Но такие города как Сеул и Тайпей тоже очень вдохновили.
Клубная культура там точно на подъеме. Пару лет назад только очень популярный Транс Диджей имел шанс быть приглашенным, а сейчас множество маленьких клубов играют теxно.

Все говорят о финансовом кризисе. Как диджей ты почувствовал какие-нибудь изменения?

Ну.., Люди все равно любят клубы куда бы я не приехал. Так что — нет. Но можно заметить, что определенный „средний класс“ диджеев оказываются в невыгодном положении, потому что люди изменили отношение к отдыху: они не готовы платить немного за малоизвестных артистов, предпочитая чтоб в списке были именитые диджеи. В Германии это не особо заметно, но в Италии или Испании большинство вечеринок опирается на хедлайнеров. Это усложняет задачу тем, кто хочет поддержать новых артистов.

Как ты можешь объяснить это?

Часто промоутеры соревнуются друг с другом. Особенно в южной Европе, многие клубы не занимаются собственным букингом. Для заполнения своих площадок они пользуются услугами промоутеров. А промоутеры, в свою очередь, пытаются держать известные проекты в своем портфолио (делая им лучшие предложения) — то есть плата за вход. А чем выше плата за вход в клуб — тем меньше посетители тратят на напитки. В итоге, промоутеры получают свою долю, а клуб теряет прибыль. Говоря, как владелец клуба, это то о чем стоит помнить на будущее.

По материалам residentadvisor.net
avatar

Kerri Chandler: Новая Эра

Опубликовал в блог Интервью
0

Kerri Chandler: Новая Эра


Kerri Chandler

Перед сетом Kerri Chandler на Eastern Electrics Festival, журналист RA говорит с корифеем танцевальной музыки о саундчеке и Circo Loco.

В последние выходные Kerri Chandler делал самый тщательный саундчек, который мне когда-либо доводилось видеть. Он начал с основ: иглы, подключение, мониторы и т. д. Потом он заметил, что программное обеспечение на CDJ слегка устарело. Он посмотрел на звукорежиссера: «Ребята, вы все еще используете 4.1? Уже вышел 4.10!» Не то чтобы это было проблемой — на флешке у него была последняя версия. «Чуть позже я могу спуститься и обновить остальные два, если хотите.» Он настроил
Traktor, который использует на Toshiba c Windows 98, («Просто считаю его наиболее стабильным»), и проиграл несколько треков, чтобы прочувствовать саунд систему.

Затем медленно прошелся по танцполу с невероятно сконцентрированным выражением лица, немного похожий на медиума, пытающегося увидеть духа… (вдобавок на нем ещё и была футболка Imaginary Foundation в тот момент) Он подошел к диагональным балкам зала, глаза его были закрыты, и он медленно приложил к ним ладони… Никто не спрашивал, что он делает, просто смотрели в смущенном удивлении. В завершение он достал свой iPhone и запустил приложение Spectral Analysis (Спектральный анализ). «Не знаю каким чертом это получается, но он довольно точный» — сказал он, расхаживая по залу и наблюдая за
изменениями уровня. Наконец, он проверил клавиатуру — единственный дополнительный инструмент среди относительно скромного набора оборудования для сегодняшнего вечера. (предыдущий реквизит включал в
себя голографии, лазерные арфы и и видоизмененные столы для аркадных игр)

Может показаться, что он немного перегружен оборудованием, но его главная забота — впечатления публики. «Если во время моего выступления что-то сломалось — это не вина клуба, это моя вина!» — говорит он, похлопывая космические узоры на груди. :)

Глядя на всю эту рутину, начинаешь понимать, как он сумел так долго остаться в игре. Половина дела — внимание к деталям — не так много DJ-ев целый час возятся в будке за вечер до своего сeта. Вторая
половина (та, что не увидишь на саундчеке) — это его невероятное музыкальное образование! Chandler вырос в доме, где «вертушка была в каждой комнате» и тысячи пластинок диско в подвале (отсюда его
названия '92 LP, A Basement, A Red Light, и A Feelin') — дотошный подход от дедушки-ученого и музыкальный от отца- диджея. И теперь, более двадцати лет спустя после его первой записи, он принадлежит к
еще одной семье — Circo Loco — что стало третьим витком его карьеры.

Думаю, это было довольно интересно, что ты делаешь саундчек сегодня…

А, я всегда делаю саундчек.

В Берлине это нормально для диджея появиться за 5 минут до сета или опоздать на 20 минут и просто поставить трек.

Ну… из того, что я заметил, если что-то случается с оборудованием, толпа не будет винить в этом оборудование, они осудят диджея. Они не скажут: «Ой, система...» Люди особо не углубляются в это, они скажут: «Диджей — дебил.». А это может быть все, что угодно, например, звук фонит. Это моя проблема, я ведь должен был убедиться что между вертушки не фонят и не вибрируют. Я не хочу беспокоиться о том, что канал не слышно, не хочу волноваться о том, что иглa испорчена или питч плавает… Все эти маленькие, запутанные штуки я проверяю как следует! Я знаю каким должен быть звук в клубе, я не хочу, чтобы что-то скрипело или сбивалось. В душе я техник и хочу «вытащить» лучшее из любой системы.

Как считаешь, oткуда у тебя это?

Это моя инженерная сущность. Я просто хочу слышать чистый звук. Когда я начинал в студии звукозаписи, лет в 15-16, я просто впитывал, слушал маленькие премудрости и подмечал некоторые моменты, смотрел как работает внешнее оборудование — я взял это все и научился записывать сам. Потому что многие люди, которые просто приходят с улицы сказали бы что-то вроде: «Я хочу сделать запись.», а я им — «Ок, отлично, я
просто звукорежиссёр, где ваш продюсер?» …«Да у нас нет продюсера… что вы имеете в виду? Нам просто нужны биты и все такое». Так я и начал делать записи.

Kerri Chandler

Как ты пришел к тому, что стал делать свои собственные?

Что ж, случилось так, что я появлялся в месте под названием «Club America» раз в неделю, это было, наверное, в 1989м. Мне понравилось редактировать песни и ставить их на бaбиннике в клубе, просто чтобы
протестировать. Однажды у Tony Humphries появилась одна из таких обработок на песню «Drink on Me», а потом на «Superlover», и он начал крутить их на радио. Это и было своего рода началом. Разные лейблы
звонили мне: «О! Нам нравится эта песня, он ее играет, мы бы хотели получить ее.» Так вот, первым лейблом, который непосредственно отметил меня был Atlantic, что действительно забавно, потому что мой первый выход получился на таком крупном лейбле. И, что иронично, Jerome Sydenham был ассистентом A&R для Atlantic Records, поэтому мы достаточно близко общаемся и по сегодняшний день.

Как это повлияло на твою диджейскую карьеру?

Она абсолютно изменилась. Людям вдруг стало интересно, кто ты есть, им захотелось узнать что ты будешь играть. И, честно говоря, это просто открыло меня всему миру. В одночасье превратило меня из
местного парня в международную фигуру. Там, где мы жили в Нью-Джерси, мой отец был таким «местным парнем», местным героем. Он был диджеем, собственно, он и сейчас диджей. Большинство моей семьи диджеи, так что я вырос в этом. Лучший способ выразиться — это просто семейный бизнес, по правде говоря. У меня по сути не было выбора! B 13 я был на разогреве у папы, они ставили меня на ящик, и я не очень хорошо разбирался в пластинках, но умел сводить. Они были рядом и подавали мне нужные записи, а я миксовал, все это было диско, так вот, я снимал одну мне подавали следующую. Это было что-то вроде моей работы с 9 до 11 вечера по выходным (смеется). Так что, там и прошла моя подготовка.

Невероятно, как естественно все для тебя произошло.

Я не вижу разницы с обычным детством. Слушал много музыки, играл с оборудованием, разбирал его, смотрел как работает. Иногда просто смотрел картинки с научными машинами. Это было в порядке вещей — дедушка был ученым, мы вместе ходили в лабораторию. Я втянулся удивительным образом. Глядя как он проводит химические опыты и эксперименты с электричеством, я хотел делать тоже самое, но также и хотел быть похожим на отца. В какой-то мере, так и получилось.

Ты уже говорил, что запись треков вывела тебя на международную арену. Мне кажется, быть диджеем в Circo Loco — примерно тоже самое. Как все это вместе объединилось?

Это было действительно интересное соглашение. Они приглашали меня несколькими годами ранее, чем я на самом деле стал там выступать. И я честно-честно не питал никакого интереса к Ибицe, просто думал — это
не моя сцена. Я всегда думал «bottle service» (прим. продажа алкоголя бутылками + резервирование столов в клубах), знаете… пластиковые люди. Так что, я оставил эту идею, поехал просто играть в одном
месте в Риме. Oфисы Circo Loco находятся в Риме, все эти ребята итальянцы. Меня пригласили на встречу, сказали, что Tony Humphries будет там… А он мой прекрасный друг, так я и предположил, должно быть он думает, что поехать и поиграть в DC-10 будет чем-то весьма зрелищным! И я ответил: «Ок, это любопытно, поеду на эту встречу.»

Kerri Chandler

Когда-нибудь бывал там ранее?

Нет, нет, никогда. Они усадили меня и описали это место. Они сказали (это меня и зацепило!): «Послушай, это необычный клуб! Мы снова открываемся, мы были закрыты пару лет и мы хотим изменить нашу музыкальную политику. Мы действительно хотим глубокой, андеграундной музыки… и мы реально хотим, чтобы ты нам помог сделать это правильно.» Я ответил, что не особо интересуюсь всей этой темой, связанной с Ибицей. А он меня уговаривал: «Нет, нет, это совсем не то, у нас нет коммерческих проектов, с этим покончено, в сущности, мы от них отказались. Мы никогда не собираемся к этому возвращаться. Все что у нас есть — это большой зал с саунд системой. Это все. Hикаких прожекторов, никаких выкрутасов, никаких стульев, зоны VIP и всего такого прочего… Просто место для лучшей afterparty, которую можно придумать!» И я сказал: «Ладно, звучит круто, какого черта!» Я познакомился с ними, познакомился с диджеями — все такие дружелюбные, такие счастливые и я подумал: «Ух ты! Прям как семья!» и в этот же день я уже там играл на закрытии. Я ставил самую невероятную и экстравагантную музыку, которую только можно представить!

Проверял пределы?!

Ну да, так оно и было. Дал себе волю, хотел посмотреть как далеко получится зайти. И чем дальше я экспериментировал, тем больше народ сходил с ума! Они просто кричали, подняв руки вверх. И тогда я поставил Mr. Fingers, вы знаете, Larry Heard, «The Sun Can't Compare.» Мы были на улице, небо было немного серым, и в ту минуту, когда я поставил трек, вокал начался, вышло солнце и над нами пролетел самолет. Все подняли руки, люди кричали и чуть ли не плакали! А я подумал: «Ок, я ваш… да, вот именно! Я ваш!» Так и получилось. С тех пор все идет чертовски круто!

В каком смысле?

Я везде с ними путешествовал. Мы не только играем, но и зависаем вместе. Знаете, мы всегда на связи, мы все делаем ремиксы друг на друга. Мы очень уважаем друг друга. Все мы такие. Например, я захожу
повидаться к Dan [Ghenacia] или Davide [Squillace], если я в городе. Мы просто устраиваем барбекю у него дома. Они очень быстро стали моей семьей. Мы подбадриваем и просто любим слушать друг друга. Мне нравится эта энергия.

Раньше у меня такого не было, большинство моих друзей в Нью Йорке всегда путешествовали, как Dennis [Ferrer], Jerome, к примеру. Мы созванивались, но это все. Мы близкие люди, но почти не видимся теперь…

А с Circo Loco получается, что они привозят диджеев вместе, куда бы мы не ехали. Tолько что я был в DC-10, на следующей неделе я еду домой, потом еду в Россию. Я увижусь с Dyed [Soundorom], увижусь с Dan, c W!ld… И мне это нравится, знаешь, как игра в догонялки и в следующем месяце тоже самое. Пересечемся с Jamie [Jones], Matthias [Tanzmann], Cassy…

Изменило ли это ситуацию с букингом за пределами Circo Loco? Способствовало поднятию твоего престижa?

Да, я был бы слабоумным, если б сказал, что нет. Я увидел абсолютно другую сцену, которую не видел раньше. Это молодая сцена, намного более молодая. И по публике Circo Loco я могу их определить по определенным вещам — Как эта штука с приседаниями, ну, знаете, прыжки, иногда наблюдаешь такое в клубах. Pаньше, мне никогда не доводилось этого видеть. Или они приходят в блестках и каких-то диких нарядах или с какой-нибудь клоунской маской. Или попросят что нибудь из классики DC-10 типа «Amame», которую я бы никогда там не услышал, хотя, сама по себе эта старая тема Murc.

Кажется, это новая глава в истории твоей карьеры.

Похоже на то. Такое чувство, что у меня новая семья и отличная новая причина, чтоб позвонить домой. Такое ощущение, будто я начинаю с нуля!

По материалам residentadvisor.net
avatar

Jeff Mills: Purpose Maker

Опубликовал в блог Интервью
0

Jeff Mills: Purpose Maker

Первопроходец в мире техно-музыки рассказывает о пространстве, времени и будущем.


Джеф Миллза можно назвать провидцем в буквальном смысле этого слова. За свою более чем двадцатилетнюю карьеру этот диджей и продюсер предвидел и осуществил множество идей. Он всегда стремился исследовать неизведанное – вне зависимости от того, готова аудитория отправиться за ним в это путешествие или нет. Однако чаще всего слушатели были готовы. Миллз остается одной из самых важных и непредсказуемых фигур в мире техно-музыки.

Jeff Mills - Purpose Maker

Недавно ты сказал, что ты чувствуешь «постоянное желание описывать, каким будет будущее и как оно будет звучать». Как ты думаешь, откуда исходит это желание?

Думаю, что такое желание можно объяснить тем, что я очень оптимистический человек и придерживаюсь мнения, что завтра будет лучше, чем сегодня. Но в то же время я чрезвычайно осторожен в плане того, что я говорю и что делаю. Мне кажется, что это оттого, что я воспринимаю жизнь как комбинацию как хороши, так и плохих событий, как процесс, который ведет к определенному событию – плохому или хорошему. Вообще-то всю свою жизнь мы стремимся к тому, чтобы количество хороших событий превышало количество плохих.
Память играет тут очень важную роль. Обладая способностью помнить и забывать вещи, случившиеся с нами в прошлом, наш разум формирует общее представление о том, как устроен мир. Или, по крайней мере, как он должен быть устроен. Я, как и многие творческие люди, надеюсь внести свой вклад в этот процесс, стремясь показать людям красоту и гармонию нашей жизни, даже когда ее непросто увидеть или услышать.

С течением времени увидеть красоту и гармонию жизни стало проще или сложнее?

Лично для меня это стало проще. Думаю, потому, что я вижу четкую цель и направление развития своей музыкальной карьеры. То, что я должен делать, полностью совпадает с тем, что я хочу делать. Неуверенность и нерешительности мне практические не знакомы. Теперь я сомневаюсь намного меньше, чем раньше. Теперь я четко представляю себе, в каком направлении я хочу двигаться и каким я хочу стать в будущем. Думаю, такая определенность появилась благодаря тому, что я уже довольно долго работаю в музыкальной индустрии и на примере других всегда учился тому, что надо делать, а что не надо. Думаю, большая часть моего видения основывается на понимании, как работает эта сфера развлекательного бизнеса. Мне, как никому другому, отлично известно, что индустрия электронной музыки далека от совершенства. Но это нормально для сферы, где так много людей конкурирует друг с другом за статус и известность.

В том же интервью ты сказал, что ты хочешь обратить внимание на «вопросы, которые актуальны и полезны для слушателей». Расскажи об этом подробнее, пожалуйста.

Да, вопросы, которые многие найдут для себя полезными. Не только вещи, которые связаны с атмосферой клубов и танцевальных мероприятий. Я начинал работать в музыкальной индустрии еще до возникновения понятия «танцевальная музыка», поэтому я хорошо помню времена, когда вся музыка сводилась к нескольким стилям, но при этом наиболее запоминающимися были те композиции, которые затрагивали вопросы повседневной жизни людей. В то время было не столь важно, как музыка называлась. Было важно, какой посыл она несла. Ведь люди не хотят слушать бессмысленную, ничего не означающую музыку.
Я работаю над вещами из будущего и всем, что связано с будущим, потому что эта тема актуальная для каждого. Будущее это мы сами.

Jeff Mills - Purpose Maker

Ты сказал, что в 1996 году ты «взял на себя обязательство» до конца своей карьеры работать только в этом музыкальном направлении. Что произошло в твоей жизни в тот год?

Произошло вот что. Индустрией электронной музыки, к которой относил себя я и еще многие артисты, попала под влияние людей, которые не стремились улучшать качество музыки и выводить ее на новый уровень. Где-то в период с 1990 по 1995 электронная музыка из новой формы самовыражения превратилась в реализацию желанию нескольких человек, которые не могли (или не хотели) развивать ее. Центр внимания переместился с самой музыки на личности диджеев и исполнителей.
Насколько я помню, в какой-то степени такое наблюдалось всегда, но именно с начала 90-х годов некоторые люди приобрели очень большое влияние и стали целенаправленно искажать и замалчивать правду о том, что делали определенные артисты. Эти люди поняли, что существуют действенные способы заставить людей слушать определенную музыку и восхищаться определенными артистами и диджеями, предпочитая их другим. Это здоровая конкуренция, это справедливо. Я не осуждаю это, но я видел, что при этом терялась творческая составляющая, потому что диджеи были больше увлечены поливанием публики водой и швырянием стаканчиков (как это делали панк-рокеры), чем повышением качества музыки. Когда я увидел, что все больше талантливых диджеев/артистов намеренно не раскрывают свой потенциал на 100% (потому что тогда бы ими меньше восхищались), я понял, что я не хочу быть частью мира такой электронной музыки. Я не думал, что могу что-то привнести сюда, ведь такой стиль поведения уже давным-давно вымер и сейчас лишь переживал возрождение.
В Европе перестали использовать слово «техно». В США родилось понятие «электроника» (она включала в себя всю электронную музыку), и предполагалось, что эпоха техно подошла к концу.

Тебя беспокоит то, с формированием «танцевальной музыки» выражать то, что ты делаешь, стало возможно лишь через выступления в клубах?

Да, ты делаешь все возможное, чтобы избежать этого на мероприятиях, на которых ты выступаешь, но все же полностью исключить это не всегда удается.
Я считаю, что единственное, что стоит на пути настоящего прогресса в танцевальной музыке, это творческий потенциал и понимание со стороны тех людей, которые представляют и создают эту музыку. Слушатели уже давно были готовы двигаться дальше, но страх «изменений», которые могли повлиять на стабильность в клубах и на фестивалях, был слишком большим. Частично это могло быть связано с тем, что некоторые промоутеры и диджеи стали старше и теперь несли больше финансовой ответственности. Поэтому они были заинтересованы не в развитии музыки, а в поддержании постоянства.

Похоже, тебе нравится писать музыкальное сопровождение для старых фантастических фильмов. Чем тебя привлекает этот жанр?

Я всегда старался вкладывать в свою музыку искреннее отношение и эмоции. Например, я решил не использовать компьютерные программы для микширования, когда я выступаю диджеем, или в студии для создания секвенции, потому что я лучше ограничу свои возможности лишь тем, что я могу сделать сам, физически. То, что почувствует публика при прослушивании моей музыки, это комбинация моего многолетнего опыта и мастерства. И я считаю, что музыка, созданная без использования компьютерных программ, более искренняя, глубокая и лучше передает чувства в плане человеческого общения.
Мне кажется, что когда сочиняешь музыку к фильму, в центре которого – люди, попадающие в обычные и не совсем обычные ситуации, то становится легче определить связи между различными естественными человеческими реакциями.

Был ли у тебя в карьере такой момент, когда тебе казалось, что ты «сбился с пути», не знаешь, в каком профессиональном направлении тебе двигаться?

Нет, такого момента не было. Я начал работать в такую музыкальную эпоху, когда многое было неясно и неопределенно. Чтобы развиваться профессионально и идти вперед, людям приходилось рисковать и просто надеяться на лучшее. Они работали над тем результатом, который у них получался, улучшали его, пока не получали то, что их полностью устраивало. Мне кажется, что я никогда не «собьюсь с пути», потому что «я хочу лишь улучшать качество музыки, а не сохранять то, что уже сделано».

Jeff Mills - Purpose Maker

Ты часто описываешь свою работу в абстрактных понятиях. Ты делал так всегда или это пришло со временем? И почему ты считаешь, что это наилучший способ описать свою музыку и то, чего ты пытаешься достичь, работая над разными проектами?

Честно говоря, я описываю свою деятельность в абстрактных понятиях, потому что я не хочу, чтобы слушатель сразу полностью все понял. Мне кажется, что если я раскрою лишь несколько интересных моментов, то только те слушатели, которые действительно этим заинтересовались, будут стараться ближе познакомиться с моим творчеством. Таким образом, слушатели смогут увидеть, как отдельные детали формируют более широкую, глубокую концепцию, из которой им станет понятно, почему моя музыка звучит именно так.
Вообще-то я редко интересуюсь тем, хотят ли слушатели узнать больше о моей музыке после прослушивания релиза. Я не просматриваю обзоры, комментарии и обсуждения своих альбомов– обычно людям альбом или нравится, или нет, вот и все.
Я рассказываю о своих целях и намерениях относительно каждого своего релиза, потому что по-прежнему считаю, что музыка это особая форма общения, и в дополнение к музыке следует делиться со слушателями своим замыслом, своей концепцией.

Какой из твоих релизов вызвал, на твой взгляд, самую значительную реакцию публики? И почему именно этот?

Думаю, что Something In The Sky вызвал наиболее широкий резонанс. Мне кажется, это можно объяснить тем, что человечество постоянно опасливо оглядывается, нет ли за спиной какой-нибудь угрозы. Это заложено в нашем ДНК. Противоположные мнения, противоположные системы убеждений, страх физического вреда и смерти – все это способствовало тому, что человечество существует уже довольно давно. Мысль о существовании во Вселенной разумной формы жизни, помимо человеческой цивилизации, формирует почву как для лучшего понимания того, кто мы, так и для возникновения конфликтов. По сути, мы животные, которые инстинктивно защищают свою территорию.

Как называется последняя книга, которую ты прочитал? Как она повлияла на твое творчество?

«Культура времени и пространства: 1880-1918» Стивена Керна. Если в двух словах, эта книга о том, что наше понимание и измерение времени было сформировано по желанию нескольких богатых и влиятельных людей, которым было нужно, чтобы рабочие вовремя приходили на фабрики и вовремя уходили. Прочитав эту книгу, я выпустил Time Mechanic − серию 12-дюймовых виниловых пластинок. Практически во все композициях из этой серии идея состояла в реорганизации и изменении восприятия времени путем искажения звука.

По материалам residentadvisor.net
avatar

А я играю на ... виниле.... мотив, думаю, знают все))))))

Опубликовал в блог Винил
0
А я играю на… виниле… мотив, думаю, знают все)))))) шутки-то они шутками. а вопрос достаточно серьезный, хотя спорить о преимуществах того, или иного носителя — нет смысла, также, как спорить о вкусах и т.д. Каждый имеет право выбора. И я подумала, что было бы интересно задать несколько совсем простых вопросов ди-джеям, которые, несмотря на появившиеся в последнее время многочисленные возможности сменить носитель, остались верны пластинкам.




Читать дальше