Art Department

Участник амбициозного Канадского дуэта рассказвает RA (Resident Advisor) о процессе создания их дебютного альбома.

Метеор — нет лучше слова, чтобы описать взлет Art Department! Но для Jonny White и Kenny Glasgow, похоже, все ощущалось по-другому. Ветераны Хаус и Техно сцены Торонто: сольные проекты дуэта были успешны на протяжении 90-х и 2000-х. Однако, вместе они написали мегахит «Without You», ставший номером 1 на RA (Resident Advisor) в 2010м, так же как и сильный альбом вышедший чуть ранее на лейбле Crosstown Rebels.



Как ты начал работать со звуком?

Я провел около полутора лет изучая софт, синтезаторы и все прочее. Я занимался этим как хобби, пока не начал целенаправленно делать записи. Прошло около года работы, пока я представил первую запись на лейбл Connect Four.

С какой аппаратурой ты работал в то время?

С первого дня я использовал Ableton, и использую по сей день. Поскольку оборудование отходит, я не использую его слишком много, но у нас есть SuperJupiter, Juno106, Jupiter8 (принадлежащий Jamie Jones), Waldorf Microwave, Moog Slim Phatty и Tetra. Так что у нас, на самом деле, приличное количество на двоих. Я имею ввиду, в студии — это главным образом плагины. У Кенни даже была огромная студия когда-то. Он записывал и выпускал треки лет 10 назад, потом на долгое время затих, пока я не «дал ему пинка».

И когда ты «дал ему пинка»?

Полагаю, вот уже более 4х лет, как мы объединили наши планы для моего лейбла No. 19 Music. К тому моменту как у меня была идея начать, Кенни уже писал альбом для меня. Он работал на ноутбуке 11-летней давности со старой версией Logic. Довольно поразительно — что этот компьютер смог произвести!




Что тебе так нравится в Ableton? Ты сказал, что не был знаком с чем-то другим, но также складывается впечатление, что Ableton пока удовлетворял твоим требованиям…

Да, я не нахожу его в чем-либо ограничивающим. Для меня, это было бы единственной причиной перейти на другой софт. В ранних версиях Ableton Live были некоторые проблемы со звуком. Движок был хуже, чем у Logic. Но сейчас с Live8 я добился чего-то подобного. После мастеринга и прочих доработок звук получается без особых повреждений. Вообще, я сам учился, так что уверен, что делаю все не по правилам. Но я нахожу способы достичь того, что мне нужно, используя Ableton, а это и есть главная причина чтобы продолжать работать с программой.

Есть ли человек, к которому ты обращаешься, когда возникают сложности с достижением желаемых результатов?

О да, Noah Pred, владелец Thoughtless Music, который также живет в Торонто. Он является дипломированным инструктором Ableton, так что он давал мне советы на протяжении нескольких лет, если я сталкивался с какой-то проблемой — я просто звонил ему. Еще James Teej. Они очень хорошие эксперты в работе с программой — а я лично не большой специалист.



Ты упомянул Waldorf в списке оборудования. Это, кажется, что-то любопытное…

Да. На самом деле, я пользуюсь им несколько лет и в большинстве моих сольных работ, которые часто создавались под влиянием старого dub techno. Тогда я использовал его более заметно, но можно услышать множество низов, которые звучат весьма нестандартно в некоторых треках Art Department, например «Vampire Nightclub». Это также Microwave почти каждый раз, когда вы слышете легкий sweep-эффект в записях Art Department.

Думаю, я читал в предыдущем интервью, что Кенни пишет основную часть предварительного материала для треков Art Department.

Да, проект Art Department действительно опирается на вокальные сэмплы от Кенни и ничего с этим не поделаешь. Он сам пишет текст и музыку для вокала и часто идея — это просто вокал, басы и, может, промежуточные синтезаторы или что-то еще. По ходу развития что-то меняется. Иногда он пишет целиком весь трек. Иногда я пишу композицию от начала до конца. Но большей частью Кенни прописывает вокалы и бас и далее передает материал мне. Затем я довожу это до того, что вы слышите от Art Department.

Что формирует «трек Art Department»?

Важной составляющей является басовая линия, но вокальные сэмплы Кенни — то что действительно выгодно отличает нашу музыку. Большую роль, конечно, играет и сведение, аранжировка и ударные — это уже по моей части. Это примерно то, чем мы с Кенни занимались по отдельности до Art Department, так что мы сложили наши умения, и вместе все отлично заработало.

В каждом треке с альбома присутствует ощущение глубины...

Да, глубина во всем — каждый звук делает свое дело. Это очень важно. Я всегда думал, что пространство, в котором звук может развернуться, очень важно. Особенно когда слушаешь музыку в наушниках! Ты действительно чувствуешь воплощение глубины — это простор для дыхания звука.

Очевидно, альбом записывался для танцпола, но в то же время, прослушивая в наушниках, я почувствовал его совершенно по-новому.

Для меня самое классное в прослушивании музыки — это когда ты впервые, еще ребенком надеваешь наушники, и ты осознаешь все проникновение, ты не просто слушаешь звук. В первый раз я слушал песню Led Zeppelin, я подумал «Вот это да!» Их умение использовать пространство, глубина… Это меня просто потрясло. Это было по-настоящему важно, и очень интересно — и для меня и для Кенни.



Есть что-то конкретное, что ты делаешь с вокальными сэмплами Кенни?

Преимущественно он отдает мне сэмплы в том виде, в котором хочет их слышать. Возможно, я что-то и добавлю, но совсем по минимуму. Может немного реверберации или что-то в этом духе. Хотя, он приносит мне вокал в довольно сыром виде, в основном без обработки, за исключением «Without You» – здесь я использовал pitch down и еще кое-какие эффекты.
Было ли это сознательным решением оставить вокал не сглаженным, особенно после успеха «WithoutYou»?

Да, безусловно! Имею ввиду, в треках «We Call Love» или «Living
the Life» вокал, оставленный как есть, звучит просто здорово. Знаете, это как если у тебя хороший голос — пусть будет просто хороший голос!

Расскажи о своей философии аранжировки. Меня на самом деле очень заинтересовало, в треке «Much Too Much», например: это звучит будто соединение двух композиций.

Если вы послушаете сольный альбом Kenny, большинство треков длятся по 11-12 минут, и нет какой-то особой конструкции, несмотря на то, что в композиции почти умещаются два трека. Думаю, то, что я сделал — это структурировал материал. Есть более очевидное разделение между разными частями трека. В «Much Too Much» в особенности, когда тема возвращается и появляется новый бас в конце… это как… Короче, я пытаюсь сказать: можно, конечно, написать 12 минутную композицию и объединить в ней все это, но не факт, что это подойдет для танцпола.

Сколько времени занимают все эти доработки? Как ты работаешь?

Моя схема аранжировки буквально начинать с начала трека. Это не так, как я записываю макет на Ableton и затем вношу поправки. Я начинаю с самого начала и прорабатываю весь трек, убирая лишнее и включая части, которые мы уже написали. По сути, к моменту когда я заканчиваю на 7-8й минуте, все уже готово.

Таким образом, основная часть аранжировки делается вживую, интуитивно?

Да, я думаю, это лучший способ почувствовать как должен быть построен трек, когда ты добиваешься определенных моментов прямо в процессе работы, и ты чувствуешь необходимость или, наоборот, неподходящий момент чтобы что-то добавить. Лучший способ — позволить музыке создаваться органично.



Интересно, что ты пользуешься Ableton, но, кажется, все еще довольно классической палитрой ударных. Ты сознательно пытаешься не отклоняться от этого звучания?

Да, на все 100%! Мы все время повторяли когда записывали «The Drawing Board», что хотим сделать альбом с классическим звучанием. Мы хотели создать что-то, что звучало бы великолепно через 10 — 15 лет. Периодически обращались к альбому Daft Punk «Homework», как к тому, к чему нужно стремиться. Мы не пытались изобрести новые правила и не думали, что делаем что-то сверхнеобычное. Мы просто хотели взять лучшее из всего что мы любим, что слушали всю жизнь и вложить это в нашу работу. Ударные это хороший прием для достижения цели. Ты можешь радикально поменять атмосферу трека, сделав его простым и минималистичным или по-настоящему компактным, используя закрытый или открытый хай-хет.

Был ли какой-нибудь характерный прием, на который ты особенно полагался, создавая альбом? Определенные ударные? Открытый хай-хет?

Да, тот самый открытый хай-хет, что я использовал во всех своих работах, и впоследствии в работах Art Department был тем, чего ты уже пытаешься избегать к концу работы над альбомом, потому что думаешь, что его получается слишком много. Но, я хочу сказать, не было чего-то определенного, на что мы опирались несмотря на то, что мы использовали множество подобных звуков для согласованного звучания альбома. Теперь, когда мы пишем не так регулярно и для менее масштабных проектов, мы можем рискнуть и создать что-то, что звучит немного иначе.

Ты так же говорил, что использовал довольно много плагинов во всем альбоме. Можешь выделить для себя какие-нибудь особенно удобные?

Прямо скажем, я не очень люблю говорить об этом, так как это лишь дает людям повод копировать наш звук. Я стараюсь сильно не распространяться об этом, но скажу, что являюсь большим фанатом плагинов Arturia. Есть еще один очень своеобразный, который я использую и o котором, кажется, никто не знает, так что попытаюсь держать его в секрете;).