Интервью

Интервью…

35 топиков

avatar

Handwerk Audio - студия мечты в Берлине

Опубликовал в блог Интервью
0

Берлинский связной Базы пообщался с Марком и Петером, ребятами, которые пару месяцев назад запустили замечательный проект – студию мечты с кучей классических аналоговых синтезаторов, с которыми может поработать любой желающий.


Студия Handwerk Audio

Вот список оборудования студии:

— Roland Jupiter 8
— Elka Synthex
— Arp Quadra
— Moog Voyager Black Ash
— Sequential Circuits Prophet 600
— Yamaha CS-50
— Roland JX-8P + PG 800 controller
— Roland SH-101
— Roland System 101 — 102 — 104
— Korg Mono/Poly
— Oxford Synthesizer Company Oscar
— Crumar Trilogy
— Roland TR-707
— Roland TR-808
— Roland TR-909
— Rhythm Ace FR-2L
— PPG Wave 2.3 (coming soon)
— Lynx Aurora 8 Channel AD-DA converter
— Audient ASP008 8 Channel Preamplifier
— MOTU Midi Express midi interface
— Kenton Pro 2000 MK II midi to cv interface
— Adam A8X Mid/Nearfield Reference Monitors


Читать дальше
avatar

«Тепло», «холод» жизнь и приключения Dapayk.

Опубликовал в блог Интервью
0
У Никласа Воргта очень необычная биография для немецкого техно-артиста. Когда-то давно он начинал с драм-н-бейса (и не где-нибудь в Англии, а в Германии), потом неожиданным образом переключился на злейший шранц, а потом, бац, и стал видным деятелем минимал-техно. Про свою жизнь, семейный дуэт, теплоту и холод электронной музыки — в нашем эксклюзивном интервью!



В вашей биографии можно прочитать, что вы с 1993 года занимаетесь музыкой. Значит ли это, что вы пережили первую волну техно в Германии. Как выглядела эта эпоха? Можно ли описать это время, как период полной анархии?

Техно стало популярным во время смены политической системы в 1989-1990 годах. Но уже во время ГДР были первые попытки популяризации электронной музыки для широкой публики на радио-станциях, как например DT64. Мне тогда было 12-13 лет, и я мгновенно был заражён этими совершенно новыми музыкой и звучанием. Я жил в совершенной глуши, в маленьком городке без музыкальных магазинов или клубов. Первую музыку мы могли услышать на пиратских кассетах из Польши. Потом появились первые компакт-диски. Легендарные вечеринки в клубе HR3 рассылали записанные ди-джейские сеты, и этим записям поклонялись, как религии. С 1993 года я начал писать свои первые треки. Вначале очень простые и на самых примитивных Wav-программах. У моего компьютера тогда было всего 15 мегабайт памяти, а на синтезатор у меня не было денег. Поэтому все треки основывались на семплах и на нарезках самого отвратительного качества. Но тогда всё было возможно! Казалось, что не существовало никаких правил того, как должны звучать электронные треки. Не играло никакой роли, сколько нужно басов и какие высокие частоты могут вызывать неприятные ощущения. Главным было получать кайф. С середины 1990-х годов в моих местах стали проводиться первые рейвы. Обычно их организовывали в заброшенных казармах или фабриках. Вскоре эта новая сцена стала привлекать людей, чей единственный интерес был зарабатывать на этом деньги. Фаза анархии была совсем недолгой. Техно очень быстро стало коммерческим продуктом.

То есть можно сказать, что техно вирус заразил вас в начале 1990-х годов? Какая разница между техно того времени, и сегодня?

Техно тогда было свободнее и меньше зависело от стилей. Можно было делать всё, что угодно. Ещё не было чётко выраженных стилей, и диджей мог в одном сете за ночь играть всё — от джангла до хардтранса — и никто не показывал на него пальцем и говорил, что это не модно. Только когда коммерческое техно а ля евродэнс наводнило телевизор, появились разграничения типа: «это никак нельзя играть!»
Раньше диджей не был центральной фигурой. Мызыка или клуб были важнее. Сегодня диджеи — это рок-звёзды или аниматоры, от которых требуется намного больше, чем играть музыку. При этом качество последней становится всё меньше значимым.



Какое-то время вы были довольно известны как драм-н-бейсовым диджеем. Мы мало знаем о драм-н-бейс-сцене в Германии. Она сильно отличалась от например сцены в Англии? Какое звучание было более популярным: джангл или ликвид? Кто из драм-н-бейс-продюсеров вызывал тогда у вас восхищение?

Драм-н-бейс-сцена в Германии была очень маленькой. У неё были свои центры, например в Мангейме или Бонне, но некоторые клубы также организовывали вечеринки с драм-н-бейсом, особенно в студенческих городах. В моих местах таким клубом была Kassablanca в Йене. Там играла самая разная музыка, и для меня это было лучшим вариантом, чем жёсткое техно, которое становилось всё полулярнее. Не важно — джангл или ликвид — всё было дозволено! На меня наибольшее влияние оказали оба первых альбома The Prodigy, а также LTJ Bukem и другие.

Почему вы поменяли ваш стиль в конце 90-х? Вы чувствовали себя ограниченным в драм-н-бейсе? Вам требовалось больше творческой свободы для самовыражения?

Я топтался на месте с моим драм-н-бейс лайвами. У меня было может быть 3 выступления за год. Но я уже почуствовал вкус крови и мне хотелось намного больше живых выступлений. В какой-то момент я из чувства разочарования сыграл один из моих брейкбитовых треков с прямой бочкой, и люди стали танцевать, потому что на скорости 145 bpm это уже было «нормальное» техно. Так я сам того не желая скатился в шранц и жесткое техно. Вдруг меня сделали резидентом двух самых популярных у нас в местности рейвовых клубов, где я начал регулярно играть. Мой контакт с драм-н-бейс-центрами так и не развился. Я постоянно им посылал свои демо, но совершенно без толку. С моими техно-треками я очень быстро приобрёл популярность и у меня появилась какая-то перспектива. Драм-н-бейс в Германии всё равно к концу 90-х сошёл на нет, и никогда не достиг такой популярности, как в Англии.



У вас много собственных лейблов. Вы можете составить список из 5 треков, изданных на ваших лейблах, которыми Вы особенно гордитесь?

Dapayk & Padberg «Island feat. Caro (Noze Remix)»


Dapayk Solo «A Saw attacks»


Marek Bois «Dapps»


Mooryc «Simply»


Dapayk & Midnight «Emergency»


Многие знают вас как часть проекта Dapayk & Padberg. Можно сказать, что этот проект, который вы осуществляете вместе с вашей женой, это попытка принести тепло в холодное звучание минимал-техно?

Техно не должно быть «холодным». Мы никогда не старались уйти от «холода». Но как только в продакшн попадают человеческие элементы, как например голос, музыка наполняется теплом. Но мы часто слышим, что даже наши треки с голосом звучат «замороженными». Во всех моих треках я стараюсь соблюдать правило не работать по шаблону, допускать ошибки, и таким образом привносить элемент человеческого звучания в мою музыку.



Уже 5 лет вы организуете фестиваль I Love Vinyl в горах вашей родины Тюрингии. Как возникла идея фестиваля? Оправдало ли себя проведение фестиваля электронной музыки так далеко от её центра в Берлине?

Мы с женой уже более 10 лет живём в Берлине. До нашего переезда в столицу мы участвовали в организации многочисленных маленьких вечеринок у нас на родине. Но отношение властей и настроение местного населения заставило нас сдаться и оставило чувство неудовлетворенности. Однако через некоторое время мы опять захотели попробовать что-то организовать на родине, используя наши новые контакты в Берлине, и таким образом «отблагодарить» наших друзей и семьи за поддержку. И поэтому в 2009 году мы провели первый фестиваль I Love Vinyl. В это время Германия уже полностью ушла в «цифру». Практически во всех клубах исчезли виниловые проигрыватели, и все диджейские сеты звучали как под одну копирку, потому что все покупали одни и те же треки в одних и тех же интернет-магазинах. Мы хотели показать, как по-разному может звучать винил, когда его играют диджеи, приехавшие со своими сумками из разных регионов и купившие его в своих местных магазинах. Концепция фестиваля была хорошо принята публикой и он постоянно развивается. У нас уже отыграли диджеи из Норвегии, Франции, Швейцарии, Голландии и Польши. Мы рассматриваем этот фестиваль также как поддержку молодых местных артистов. Такой фестиваль, как I LOVE VINYL, был бы совершенно другим, если бы проходил в Берлине. В Тюрингии людям нравится альтернатива, и если бы не чувствовали их поддержку, мы бы давно прекратили устраивать этот фестиваль.

Что вас сегодня воодушевляет на творчество?

Зависит от того, что я хочу делать. Если я хочу писать клубные треки, мне очень комфортно в Берлине. Здесь постоянно чувствуешь энергию, и электронная музыка тебя окружает так, что всё время хочется творить. Если же я хочу записать музыку для головы, то я должен уехать из города, подальше от электронной почты и интернета. Уже много лет мы с этой целью снимаем домик в Провансе во Франции и уезжаем туда на несколько недель. Недавно мы так же провели отпуск в Шотландии, что тоже оказалось хорошим местом для творчества. Альбом Dapayk & Padberg «Smoke» был целиком записан там.



На каких новых продюсеров стоит по вашему мнению обратить внимание?

Я всегда советую следить за творчеством Patrick Vano. По моему мнению он очень умело комбинирует рэйв с минималом. И ещё я большой фанат нового артиста на нашем лейбле Greeko. Это совсем молодой итальянец, который совсем по-другому подходит к написанию музыки, чем такой «старик» как я.
avatar

10 QUESTIONS DJ MINX

Опубликовал в блог Интервью
0
Despite not having an extensive discography DJ Minx should be considered a unique figure in the dance music industry. While she is known by most for her track «A Walk In The Park» on Minus, one could say that the evolution of Detroit techno happened right before her eyes. At the end of the 80's she regularly attended the Music Institute, where most of the Detroit techno scene was cultivated. She learned her craft from Derrick May and Kevin Saunderson, and opened her label upon receiving advice from her friend, Moodymann. She recorded a special podcast for Baza, and provided answers to our ten questions for her.



Could you explain how you came up with your dj name? What does it mean for you?

Originally, my name was DJ Mink. I was happy with that subtle name until I went to Record Time a week later with a friend and he pulled out an import by DJ Mink! I couldn't have the same name as another DJ so I started thinking of another name. My friend and I looked up the definition of Mink and wanted to find a name with the same meaning. Minx...not further down in the dictionary caught my eye. Initially, when I started DJing, I dealt with a lot of negativity, unwanted advances and attention so — Minx for me means I am not dealing with anyone's shytt, so don't bring it my way!

Please tell us about your label Women on Wax. How active is the label currently?

I started Women On Wax Recordings after Kenny «Moodyman» Dixon's suggestion. He said I needed to move on to the next phase in music. He was very supportive and said I was a «phenominal DJ» that needed my own avenue to put out music. I am currently on release #20, Stiletto Stroll, which is out now on Traxsource and soon on Beatport, iTunes and Spotify.



You are from Detroit, and you still live there. Could you tell us about the current dance music scene there? Should we expect to learn of more new talented musicians from Detroit?

I was born and raised in Detroit and yes, still here. The dance music scene varies from week to week. At least once a month, there is a badass party happening here but nothing regular. I know of a few up and coming DJs to watch out for — mainly DJ Young1. At 11 years old, this little lady knows what it takes to make a party jump!

Many people around the world first learned about your after you release " A Walk in the Park" on M_nus. Please tell use about it a little bit. Did you know Richie Hawtin for a long time? Were you happy with the reaction to this release?

I knew Richie Hawtin but not personally. He knew me as Minx while I was mentoring Magda, she introduced us. One night I got an email from Tim Price, who was Richie manager. Tim said he wanted to talk to me about «a track that I did». I asked, «which track»? He says, I don't know...something Ricardo Villalobus has been playing. He said he'd contact me in a few days.
A few days later, Tim called me again...from Toronto. «Hey Minx, Rich and I are in Toronto». In the background I hear, «HI MINNNNX»! lol! «Rich says hi. He wants to meet with you when we get to Detroit in few days.» In the background: Minx, I broke my ankle a little while ago but we will be there to see you! I told them to let me know when they wanted to meet.
The following Monday, Tim called and asked if I could meet Rich for coffee. We agreed on a place and met. The first thing he says, after giving me a hug — «anything you have with bass like that track, I want to put it out». I was flattered....REALLY! Keep in mind, I still didn't know which track he was talking about. I pulled out the EP and gave it to him. He screamed, OMG THANK YOU! He finally said, that's it...WALK IN THE PARK! I can put it out for you and will help you with anything you need! People need to know about you and your music!
Richie remastered the track and released it. I got to see him play it for 18 minutes straight at a club one night in Windsor Ontario. The crowd was amped for the entire time — he kept looping the track going from one piece of vinyl to the other. It was magical. I received a call about Walk In the Park from someone in South Africa a week after handing it over to Rich. They wanted to license it for a compilation. I sent them to Minus. This track went on seems like forever! Minus took care of me, I appreciate them to no end.

You started your own label with a goal to show how dance music should be. Can you describe in words how dance music should be?

My label is my opinion of how dance music should be. I create and promote the kind of music that I like and feel that my audience wants to hear. I do what I do to make people dance.



Judging from your biography, you probably grew up on dj sets of legendary Detroit djs. If we compare them to current djs, what in your opinion has dj culture lost or gained over this time?

I grew up listening to the original creators of the Detroit sound which is not the same today as it was then. I think the element of funk is missing in a lot of today's music. It's hard to find the sound that you can get totally lost in.

As a person who lives in Detroit, what is techno to you?

Kevin Saunderson, Juan Atkins, Derrick May, 808's, 909's, Innovation, Detroit.

What would you recommend young producers who are interested in producing techno?

I would recommend they do plenty of research online and in the library to learn about the DJs and Producers and what elements are used to create techno music. They should go to the clubs and listen to them live, watch them work, ask questions and gain some knowledge.



Could you list some people who seriously influenced you and how did they influence you?

Derrick May, Jerrald James and Kevin Saunderson were my main influences.
Derrick May challenged me to learn how to DJ because I actually told him that I watched him every week at the Music Institute in Detroit because I could spin records. I totally lied, I was just looking at him because he was like a puppet master! That man was rockin' the crowd and making folks crazy! It was one hell of an experience. When I went to watch him play(climbing up the ladder to the DJ booth) the following week, he asked if I was DJing yet. I looked and said ummm noooooo (lol). He told me to not come back until I was DJing. I was devistated! Once I told my mentor (Jerrald), he said, «well you know whatcha gotta do». I told him it was no way I was able to do all the work I saw Derrick doing. Jerrald (Cat) told me that I was going to have to learn and I shoudn't have said I could spin to a guy like Derrick May! LOL!

The following week, Jerrald and another friend came to my apartment with two turntables and two records. Plugged everything in and he told me to start blending the music as if it were one track. It took a while, but I blended the records. I phoned him, excited, and gave him the good news. That evening, he came over with two more records, «now blend these», he said. Cat stayed on me and was my cheerleader from that day forward. He's such a sweetie. I appreciate him for everything he's done for me.

Kevin Saunderson gave me suggestions on mixing and producing and has always helped me in any way he could. I would go to KMS Records downtown and watch him produce music in his studio that was lit up with only lava lamps. This is how he vibed...it was hot! He told his booking agent in Berlin about me and told me to give him a mix. He passed it on to them and they phoned me screaming about my mix. I was added to their roster THAT DAY and began traveling the world.



For a long time techno music was about the future. Is this feeling of the future still present in current techno, or not as much?

The elements used to make techno music were sounds of machines, computers — things we hadn't heard before. We hear these same sounds every day now. In my opinion, the sound is no longer futuristic, it's now.


Interview: Ilya Voronin.
with Connect Bookings support.
www.connectbookings.com
avatar

10 ВОПРОСОВ Dj Minx.

Опубликовал в блог Интервью
0
Несмотря на очень небольшую дискографию, DJ Minx все-таки фигура незаурядная. Многим она известна прежде всего по треку «Walk In The Park» с лейбла Minus, но про нее можно сказать, что вся эволюция детройтского техно прошла у нее перед глазами. В конце восьмидесятых она ходила в культовейший Music Institute, откуда потом вышла фактически вся детройтская техно-сцена. Училась мастерству у Дэррика Мэя, Кевина Сондерсона, а свой лейбл открыла по совету своего друга Мудимэна. Для «Базы» она записала специальный подкаст и ответила на десять, интересующих нас, вопросов.



Очень интересно происхождение вашего диджейского псевдонима — что он означает и как он появился?

Поначалу я себя называла DJ Mink. Мне очень нравился этот псевдоним, пока в какой-то момент я не пошла в Record Time, и мой друг вытащил из кучи новых пластинок импортную пластинку за авторством DJ Mink! Конечно же и речи быть не могло, чтобы у меня был псевдоним как у какого-то еще диджея, поэтому я начала думать о другом псевдониме. Мы с моим другом искали что-то похожее к Mink (на сленге — распутная женщина), с таким же значением. Потом в словаре мне попалось на глаза имя Minx (англ. — распутница). Все-таки когда я только начала крутить пластинки, я часто сталкивалась с большим количеством негатива и отсутствия внимания — поэтому слово Minx для меня подходило идеально, чтоб тут никто ничего такого не подумал!

Расскажите пожалуйста поподробнее о вашем лейбле Women On Wax? Судя по дискографии последний релиз на нем вышел шесть лет назад. С чем это связано?

Лейбл Women On Wax я запустила по совету Кенни Диксона, многим больше известного как Moodymann. Он сказал мне, что я должна переходить в музыке на новый уровень. Он меня очень сильно в этом поддерживал, и говорил что я была «феноменальным диджеем», и что мне нужна собственная база для того, чтобы выпускать музыку. Совсем недавно у меня вышел на этом лейбле 20-й релиз, который уже появился на Traxsource и скоро появится на Beatport, iTunes и Spotify.



Поскольку вы родом из Детройта и, наверное, там живете и сегодня, не могли бы вы рассказать нам о современном состоянии местной танцевальной сцены? Ждать ли нам оттуда новой волны талантов?

Да, я родилась и выросла в Детройте, и по-прежнему тут живу. Танцевальная сцена здесь меняется от недели к недели. Ну, по крайней мере в месяц здесь точно происходит как минимум одна крутянская вечеринка, но на постоянной основе здесь не происходит ничего. Я знакома с несколькими потенциально крутыми диджеями, скажем DJ Young. Ей всего одиннадцать лет, но эта девушка уже умеет сделать так, чтобы вся вечеринка заходила ходуном.

Для многих людей в мире вы стали известны после релиза «A Walk In The Park» на лейбле M_nus. Расскажите пожалуйста о нем немного.

Давно ли вы были знакомы с Ричи Хоутином, остались ли вы довольны реакцией мировой общественности на этот релиз?
Ричи Хоутина я знала, но не лично. Про меня он узнал когда я учила Магду. Именно она нас и познакомила. Однажды ночью я получила имейл от Тима Прайса, который был менеджером Ричи. Тим сказал, что он хотел бы обсудить мой трек, который я сделала. Я спросила: «Какой еще трек?» Он сказал что не знает точно, но вроде бы его уже играет Рикардо Виллалобос. Потом сказал что в ближайшие дни мы с ним должны встретиться и пропал. Спустя несколько дней Тим мне позвонил, правда на этот раз из Торонто. «Эй. Минкс, мы тут с Ричи в Торонтно» На заднем плане я слышу «Привет, МИИИИИНКС!», — это Ричи так со мной поздоровался. И он хотел со мной встретиться когда окажется в Детройте. А я слышу как на заднем плане Ричи говорит что вывихнул лодыжку, но в ближайшие пару дней он твердо намерен со мной встретиться. В ответ я только и сказала, чтобы просто сообщили заранее о встрече.
В следующий понедельник Тим снова позвонил и предложил встретиться с Ричи за чашкой кофе. На встрече первое, что он сказал, «если у тебя есть еще какой-нибудь трек с таким же басом как в том треке, давай мне — я выпущу». Мне лестно было такое слышать. ПРАВДА! Хочу заметить, что я все еще не понимала, о каком именно треке он мне говорил. Тут я вытащила пластинку и вручила ему. Он как закричит: «Боже! Спасибо!», а потом такой говорит, «это было… walk in the park (англ. — Проще простого)! Я могу ее выпустить и помочь если что нужно! Люди должны узнать о тебе и твоей музыке!»
Ричи ремастировал трек и выпустил его. Я помню специально пришла на его выступление, на котором он 18 минут подряд играл этот трек на вечеринке в Виндзоре. Все это время люди в клубе сходили с ума — он же просто играл этот трек с двух пластинок. Чистое волшебство. Спустя неделю после того, как Ричи выпустил «Walk In The Park», мне позвонили откуда-то из Южной Африки и хотели лицензировать для своего сборника. Я их отослала на Minus. Короче трек попал в самое яблочко! Minus здорово обо мне позаботился, и я им буду за это благодарна до скончания веков.

В вашем профайле говорится о том, что свой лейбл вы запустили с целью показать какой именно должна быть танцевальная музыка. А какой, на ваш взгляд, она должна быть?

Мой лейбл — это мое видение того, какой может быть танцевальная музыка. Я создаю и продвигаю тот тип музыки, которая мне нравится и которую, как мне кажется, хотят слышать люди. Я просто хочу делать такую музыку, которая бы заставляла людей танцевать.



Судя по вашей биографии, вы вероятно выросли на сэтах знаменитых детройтских диджеев. Если попытаться провести аналогию с современными диджеями, что за это время утеряла диджейская культура и что приобрела?

Я выросла слушая отцов-основателей детройтского звучания, которые сегодня совсем не те же самые, какими были когда-то. Мне кажется, что в большей части современной танцевальной музыки отсутствует элемент фанка. Сложно сегодня найти звучание, которое бы тебя действительно цепляло.

Не можем не задавать вам, как жительнице Детройта простой вопрос — что для вас техно?

Кевин Сондерсон, Хуан Аткинс, Дэррик Мэй, 808-ая и 909-ая драм-машины, новаторство, Детройт.

Чтобы вы могли порекомендовать молодым и начинающим артистам, которые хотят записывать техно-музыку?

Я бы порекомендовала им побольше узнать о диджеях и продюсерах, которые создавали эту музыку, о тех элементах, из которых и состоит техно-музыка. Им нужно ходить в клубы и слушать их живьем, смотреть за их работой, постоянно задаваться вопросами и быть голодными до знаний.



Могли бы вы перечислить тех людей, которые самым серьезным образом повлияли на вас и как именно они на вас повлияли?

Дэррик Мэй, Джеральд Джеймс и Кевин Сондерсон — вот мои главные и основные влияния.
Дэррик Мэй показал мне что такое быть диджеем. Ведь я буквально каждую неделю ходила на вечеринки в Music Institute только ради того, чтобы увидеть как он крутит пластинки. Я просто стояла и смотрела на то, что он делал и думала что он идеальный кукольник! Этот человек просто разрывал публику на части и все кругом посходили с ума! Короче, мощнейшие были переживания. Когда я как-то раз снова решила посмотреть за его игрой, вскарабкалась на диджейку, он меня увидел и спросил что-то вроде, ты, мол, играешь. Я на все это дело посмотрела и сказала, «ээээээ, нееееееаааа». (смеется) Тогда он мне сказал чтобы я сюда не возвращалась пока не научусь крутить пластинки. Пришлось внять его совету. Тогда я сказала своему наставнику (Джеррарду), что хочу научиться. Он мне сказал: «Окей, тогда смотри» Но я-то думала что все те выкрутасы, которые вытворял Дэррик, мне просто недоступны. Джеррард же сказал, что все дело в практике, и что все реально.
На следующей неделе ко мне домой пришел Джеррард с еще одним знакомым, двумя вертушками и двумя пластинками. Все подключили и сказали чтобы я начала учиться сводить пластинки так, чтобы получился один длинный трек. Мне, конечно же, на это потребовалось время, но пластинки я все-таки свести смогла. Тем же вечером он снова пришел ко мне с еще двумя пластинками: «теперь своди эти». Джеррард меня тогда многому научил. Он был такой душка. Я очень благодарна ему за все то, что он для меня сделал.
Кевин Сондерсон же давал мне ценные советы по сведению и работе с музыкой, и всегда помогал мне всем чем мог. Я могла приходить в студию его KMS Records и наблюдать за тем, как он работает над музыкой. Атмосфера там была просто наикрутейшая. Потом своему букинг-агенту в Берлине он рассказал обо мне, и сказал чтобы я записала микс. Чуть позднее букинг-агент мне перезвонил и в восторге рассказал о том, насколько им понравился мой микс. В тот же день меня добавили в ростер и я стала кататься по свету.



Долгое время техно-музыка была про будущее. Как вы думаете, сегодня в техно присутствует это ощущение будущего или уже все-таки нет?

Элементы, которые прежде использовались в техно-музыке, все эти звуки машин и компьютеров — ничего этого мы больше не услышим. Мы слышим одни и те же сэмплы каждый день. По моему мнению в этом звучании не осталось больше ничего футуристического. По крайней мере так все обстоит сегодня.


Интервью: Илья Воронин.
при поддержке Connect Bookings.
www.connectbookings.com

English Version Below
avatar

Korablove: "Хочется немного потрогать музыку"

Опубликовал в блог Интервью
0
Роман Смирнов, более известный под творческим псевдонимом Korablove, плывет в бурном потоке электронной музыки. За его плечами уже внушительных размеров дискография (четыре альбома и с десяток релизов), участие в деятельности лейбла Pro-Tez Антона Кубикова, лондонском Apparel Music и чикагском KGBeats и абсолютный стилистический фристайл. Перед первым, за последние полтора года, выступление Korablove в Санкт-Петербурге, мы задали ему несколько вопросов, на которые он дал нам очень интересные ответы.



Твой первый альбом называется «Тайны третьей планеты», твой псевдоним напоминает персонажа известной детской книги. Следует ли из этого что ты черпаешь вдохновение из детства?

Наверное, это — в большей степени простые совпадения. Хотя что-то определенное я точно сказать не могу. Музыка — это собирательный образ. Это эмоции, которые ты переживал когда-то, впоследствии обличенные в звуки. Поэтому сложно отрицать, что ничего из пережитого в детстве я не использовал в своих треках.

Ты издаешь свою музыку на аудиокассетах. В чем смысл такого жеста? Многим же даже негде их будет послушать.

Спорное утверждение. Многим, например, негде послушать пластинки, но они их почему-то покупают. Я не буду спорить, что это это в некотором роде фетиш, некая подмена реальности. Всегда ведь хочется немного потрогать музыку. Развитие цифровой индустрии убило эту возможность на корню. Напрочь отсутствует тактильная связь с прослушиваемой информацией. Да даже запах свежего винила! Ведь он в своем роде прекрасен. К этому еще стоит добавить, что кассеты сейчас переживают второе рождение. Очень многие нойзовые музыканты сейчас выпускают музыку только на кассетах. Более того, небезызвестный Moomin, например, буквально недавно выпустил отличный сборник трип-хопа на этом носителе. В магазинах Лос-Анжелеса кассетные деки равноправно стоят с виниловыми проигрывателя бок о бок. Поэтому я не считаю это каким-то своим «жестом». История повторяется.



Если бы тебя попросили описать свою музыку обычному человеку, который плохо видит разницу между, скажем, даб-техно и текхаусом, то как бы ты мог ему рассказать о своей музыке?

А я бы ничего не стал ему рассказывать. Я не люблю ограничивать свои работы какими-то рамками. Мне кажется, что это немного ущербно. Я вот порой сижу и делаю трек, а потом совершенно не понимаю к какой категории музыки его отнести. Мне кажется, что это прекрасно. Именно тогда я доволен. Музыку нельзя запихнуть в банку и сказать, что это кетчуп. Музыка — это свобода. Это то, что ты чувствуешь и видишь.



У тебя внушительных размеров дискография. Можешь ли ты сказать что музыка тебя уже кормит?

Очень странный вопрос. Она меня все время, выражаясь вашим выражением, «кормила». Необязательно иметь какую-либо дискографию для этого. Ты можешь быть классным ди-джеем, или звукорежиссером, или написать одну единственную заставку для программы «Время». Просто музыка для меня — это как образ жизни, мышления, восприятия реальности. Мне наплевать каких размеров моя дискография. Если я пишу музыку — значит, как минимум, существую.

Считаешь ли ты себя представителем российской клубной сцены? И если да, то какой она представляется тебе?

А у нас в стране есть клубная сцена? Правда? Я считаю, в России в принципе нет музыкального бизнеса, и в частности клубной/электронной сцены. Здесь никто не следит за твоим творчеством, мало кому интересно, кто что сделал и что выпустил. Большинство промоутеров ориентируется на свои знакомства. Не более. У нас нет ни одного более менее вменяемого издания, освещающего культуру электронной музыки, будь то журнал, или сайт. Есть люди, которые ходят в клубы, и они — сами по себе, а есть промоутеры, которые в своем космосе. Если сравнивать с Европой, то мы где-то в первобытно-общинном строе. Поэтому, мне кажется, что этот вопрос немного не корректен. В наших реалиях правильно спрашивать о выживании в российских джунглях.

Расскажи о своих музыкальных планах на ближайшее время? Чем ты сейчас занят в студии?

Планов, как обычно, миллион. Надеюсь, что все они воплотятся. На данный момент мы работаем с Антоном Кубиковым и Сергеем Сапуновым над проектом Raw Code. Опять же с Сергеем над проектом Dubraw. Еще я все время экспериментирую со звучанием и делаю какие-то странные вещи, которые никому не показываю. А вообще, делаю много музыки и разной. Вот пока отвечал на ваш вопрос, понял, что если я сейчас перестану что-либо делать, то материала готового хватит где-то до конца 2015 года.



Назови 5 своих самых любимых альбомов.

1. Aphex Twin — Selected Ambient Works


2. Radiohead — In Rainbows


3. Jimi Tenor — Organism


4. Portishead — Roseland NYC Live


5. Christopher Rau — Two


Выступление на RTS.FM


Официальная страничка Korablove на soundcloud
soundcloud.com/korablove
avatar

Резиденты культового берлинского клуба "Bar 25" о киберхиппи, хаосе и идеальной вечеринке.

Опубликовал в блог Интервью
0
ГАЛЛЮЦИОНИРУЮЩИЕ КЛОУНЫ DADA DISCO

Про Bar 25 известно многое, про его преемника, Kater Holzig известно не меньше, но что интересно, эти места затмевают собой звезд любого масштаба, потому что они и есть звезды сами по себе. Однако резиденты этих заведений, дуэт Dada Disco, легко и непринужденно перевозят с собой чудодейственную атмосферу этих заведений, которую можно описать емким выражением «Эдемский сад сошел с ума». Перед грядущим выступлением Dada Disco в Санк-Петербурге мы немного поговорили с парнями и узнали массу интересного.



То что вы часто любите наряжаться и производите впечатление театральных актеров, это у вас было до того, как вы впервые переступили порог Bar 25 или уже после этого вы подхватили этот вирус театральности?

Гийом: Я работал в травести-шоу на Паттайя в Тайланде, а Дэнис — клоуном в больнице для детей с задержкой в развитии в Париже. После мы нашли более успешный способ применить наши таланты, как с материальной, так и с духовной точки зрения.


(Дэнис и Гийом из дуэта Dada Disco не скрывают свою любовь к костюмам для своих выступлений. На закрытии легендарного Bar25 они вышли на сцену в точных копиях шлемов Daft Punk. После чего половина Берлина была уверена, что именно Daft Punk ставили пластинки для них всю ночь. Единственное, что по словам Гийома в шлемах совершенно невозможно пить, разговаривать и что-либо слышать.)

А вот и видео, снятое кем-то. Daft Punk at Bar25 ))


Вообще, как вы думаете насколько много общего между клубными вечеринками и костюмированными представлениями?

Дэнис: Хаус-вечеринка в идеале должна быть как спектакль. Но здесь актеры — это люди на танцполе, а диджей он что-то вроде режиссера. И мы все просто импровизируем какой-то сумасшедший спектакль! С коммерциализацией клубной культуры все это постепенно исчезает. Делать из танцпола просто зрительный зал — очень большая ошибка, потому что то, что делает ди-джей сам по себе — не очень зрелищно. Костюмы и некая театральность для нас — это попытка бороться с этим, показать пример как может быть по другому.



Bar 25 уже довольно давно закрыт. Вы по нему скучаете? Или уже нашли для себя замену?

Гийом: Конечно мы скучаем. Мы как будто покинули Эдем. Не думаю что появится что-то подобное, по крайней мере в нашем поколении. Но все движется вперед, история должна писаться а не читаться. Bar25 повлиял на многих людей, оставил часть себя и продолжает развиваться в каждом из нас. Кроме того, команда Bar 25 продолжает делать клубные проекты. Такие как Kater Holzig, или готовящийся к открытию Holzmarkt. Вообще мы думаем лучше закончить что то хорошее раньше, чем это превратится в мэйнстрим.



А что такого было в этом месте? Постарайтесь объяснить это человеку, который там никогда не был и уже не будет.

Дэнис: Представьте себе смесь Диснейленда и «Алисы в Стране Чудес» в рейв-вариации. Прекрасный сад чудес на берегу реки Шпрее с небольшими деревянными домиками и прекрасной звуковой системой, порой открытый для всех три или четыре дня подряд без перерывов. Днем можно лежать на причале под солнцем, а ночью купаться в лучах разноцветной световой системы свисающей с веток деревьев. В разные дни играет хаус, техно, диско или какой-нибудь экспериментальный фолк с галлюцинирующими клоунами.



Вы довольно часто в своих интервью говорите о хаосе. Вы научились управлять хаосом? Вообще можно управлять хаосом или это все-таки видимость?

Гийом: Не думаем, что им можно управлять, более того, не думаем что это вообще хорошая идея. Хаос разрушает, но в то же время он может быть источником вдохновения или обновления. Ты можешь просто принять его таким как он есть внутри тебя и вокруг. Жить в хаосе — бесконечное весело, даже если за это в какой-то момент приходится платить.

Если немного пофантазировать — какой, по вашему мнению, должна быть идеальная вечеринка?

Дэнис: Ох, это сложно… Мы достаточно много видели вечеринок, которые очень похожи на чью-то фантазию, которая воплотилась в жизнь. Думаю это то место, где ты можешь быть абсолютно свободным. Свободным быть собой, самим идеальным собой. Свободным делать то что ты хочешь, будь то секс, наркотики и рок-н-ролл или разговоры о политике и садоводстве. Свободным быть кем-то еще, пародией, клоуном или кумиром. Мы похоже совсем забыли про музыку! Она должна быть удивительна и по — дадаистки хороша.

Объясните нам, почему у вас такое странное название? Вам близки идеи дадаистов?

Гийом: Это придумано только для того чтобы повыделываться. Так мы нравимся девушкам, которые чуть более образованные. Я всегда боюсь встретить Тристана Тцару на вечеринке (основатель дадаизма, 1896 — 1963. — прим. редакции). Он был влепил мне пощечину. Или угостил водкой. Никогда не знаешь что взбредет в голову этим дадаистам.



Сегодня вы являетесь резидентами берлинского заведения Kater Holzig. Расскажите о нем.

Дэнис: Это хороший момент поговорить о нем, так как он закрылся навсегда. В нем было что-то от Bar 25, его делала часть прежней команды, но, конечно, было сложно воплотить прежние идеи в жизнь. Впрочем, они вносили и новые, смешивая культуру киберхиппи с старым добрым берлинским рейвом. И в конце концов достигли в этом совершенства. Те кто был на той знаменитой последней новогодней вечеринке закрытия, которая длилась неделю, думаю, сейчас сложно представить что-то более сумасшедшее, упадническое и счастливое одновременно. Они наши друзья, которым удалось собрать под одной крышей самых модных берлинцев и самых чудных приезжих фриков. За это мы их уважаем.



Это уже не первое ваше выступление в Санкт-Петербурге. Какие эмоции вызывает у вас этот город? Быть может вы как-то по особенному подходите к выступлению или здесь несколько другая атмосфера?

Дэнис: У нас здесь очень много друзей. А на этот раз на вечеринке мы будем отмечать день рождения Гийома! Санкт-Петербург, для нас, конечно, менее экзотичен, чем скажем, Чебоксары. Здесь наша музыка встречает больше понимания, так как публика здесь прекрасно осведомлена во всех европейских тенденциях и, в то же время, умеет показать свою реакцию. Этого в Западной Европе очень не хватает сейчас. В общем нам здесь очень нравится и мы здесь никогда не чувствуем себя одинокими. Люди по-хорошему сумасшедшие, такие же как и мы.



И топ 5 треков от Дэниса и Гийома

Дэнис:

Four Tet — Angel Echoes


Missing Linkx — Got A Minute


Anne Clark, kuniyuki — Between Shadow And Lights (Barnt Remix)


Atoms for peace — ingenue


Jozif — we r child


Гийом:

Metronomy — boy racers


Nina Kraviz — Black White


Chilly — for your love


Ten Walls — gotham


Blood Orange — Champagne Coast (Subb-an & Seth Troxler Remix)


Выступление на RTS.FM в Санкт-Петербурге


Официальная страница Dada Disco на soundcloud
soundcloud.com/dadadisco
avatar

Mr G (Rekids). Часть 2

Опубликовал в блог Интервью
0

Что же касается микса, ты, похоже, смотришь на это как на большую картину, а не как на цепочку звуков.
Я просто заполняю пустоты…

Сейчас ты работаешь над новым ремиксом. Расскажи о твоем подходе.
Я только вчера получил исходники. Вообще, я не планировал заниматься этим заказом до августа, но вчера я послушал треки и решил, что они весьма неплохи. Просто иногда дают такие треки, которые не отвечают твоим ожиданиям. Что же касается A1 Bassline, я считаю, что здесь ремикс вообще не нужен. Заказчики согласились со мной, но затем агент A1 сказал, что его подопечный очень любит мое творчество и хочет, чтобы я занялся ремиксом.

После уборки этой комнаты я немного подустал и первое время вообще не хотел работать с музыкой, тем более что микширование требует времени, такие вещи за один день не делаются, я должен почувствовать трек, понять его! Мне нравится оригинальная композиция, но я должен найти в ней что-то свое. Этот парень прекрасно работает с басом, но ведь и я — фанат баса! Так что я потратил весь день на то, чтобы создать действительно мощную и яркую басовую линию.

Похоже, при ремиксе ты фактически создаешь полностью свой трек, сохраняя из оригинала лишь пару-тройку сэмплов. Так ли это?
Когда-то я старался делать ремиксы, строго следуя концепции оригинального трека. Я и сейчас считаю, что в ремиксе непременно должны быть элементы оригинала. Я люблю струнные, мне нравится этот вокальный сэмпл в стиле «регги», но, как правило, при работе над ремиксом я создаю свою собственную композицию. Все дело в том, что когда я стараюсь сделать не свой, а их ремикс, я всегда или попадаю в замешательство из-за сочетания баса с пэдами, или мне кажется, что ударные недостаточно тяжелые. А все потому, что я использую «их» бочку, а не свою. Тогда я прибавляю звук и говорю: «Так, Колин, это не твой звук, избавься от него сейчас же». И в итоге получается мой ремикс, именно с моим звуком. Чем больше я это делаю, тем лучше у меня получается делать ремиксы.

Но ведь ты не сразу пришел к такому подходу?
Да, я долго шел к этому. Я старался быть милым и вежливым, и каждый раз, показывая своей девушке новый трек, я слышал от нее вопрос: «Ого, а что ты вообще изменил в этом треке?». Скажу так, что иногда можно не трогать басовую линию, но тогда однозначно стоит поработать со всем остальным. Но, конечно, не всегда работает такой подход, иногда возникают проблемы с таймингом, или басовая линия звучит на полтона ниже. В таком случае вы можете добавлять разные пэды, но они не будут хорошо звучать с басом.

Так что, еще раз повторю, что, с моей точки зрения, ключевые элементы исходной композиции нужно сохранить, однако все остальное следует создавать самостоятельно. Я делал серьезные миксы за гроши, я буквально плакал от этого, потому что понимал, что работаю неправильно. Я старался не трогать вокал или не изменять фон, старался лишь добавлять эффекты и примочки, но в итоге после двух недель работы я ничего не достигал. С каждым днем я переживал все сильнее и однажды, вернувшись домой, подумал: «Нет, я больше не буду мучить себя по две недели». И решил сделать новый микс. Я поработал над треком, включил его и понял, что это – именно то, что было нужно! Так что теперь я работаю именно в таком ключе, по-своему.


Давайте поговорим о живых выступлениях – на сцене ты работаешь с MPC, микшером и ноутбуком.
Что касается выездных выступлений, то больше всего я доверял MPC. Мне жизненно важно выступать с инструментом, с которым я чувствую себя комфортно. С MPC мне удобно работать и в дороге, и на сцене. А чтобы расслабиться и чувствовать себя свободнее, я обычно выпиваю немного рома.

Затем на сцене я представляю, что нахожусь в своей студии и отрабатываю, например, танцевальные движения. Скажем, мне нужно приготовить живое выступление в Японии в сентябре. Что же я делаю после того, как все треки опубликованы? Я сохраняю оригинальные композиции на CD с оригинальными настройками и эквализацией, а затем перезаписываю их для концерта с помощью MPC. Я не сохраняю их в MPC, не доверяю таким вещам. Так что всегда нужно быть уверенным, что треки по-прежнему находятся в моем распоряжении (на диске), потому что кто-нибудь в любой момент может попросить меня сделать новый ремикс, а что я смогу написать без исходных треков? Так что на каждый диск я приклеиваю этикетку – если дисков 89, этикеток тоже 89. При ремикшировании я загружаю треки в MPC и заново, с исходников, создаю свою композицию.

Хотя твои выступления, в принципе, достаточно похожи друг на друга, во время тура все же возникают какие-то отличия.
Да, я обычно выступаю с 12 или 13 композициями, я могу пускать их в любом порядке, правда, у самых новых треков более высокий битрейт. Я могу спокойно отыграть все тринадцать композиций, а затем резко вернуться к третьему треку и отыграть его уже с другими настройками эквалайзера. Никакого программирования, только лупы.

Вообще, после The Advent я не планировал выступать вновь. Я ведь тогда давал по три концерта каждые выходные, еженедельно, в течение семи лет. Я буквально спрыгнул с поезда, отказавшись от новых туров – не хотелось больше путешествовать. И тогда я осел в своей милой маленькой студии, делая свое дело, однако в моей работе невозможно обойтись без выездов. Но главным местом для меня теперь является студия. Недавно я выступал в Барселоне и Берлине, оторвавшись от студии аж на две недели, что было непривычно и доставляло дискомфорт. Так что я отменил следующие концерты на выходных и вернулся в студию. Считаю себя достаточно зрелым и опытным, чтобы быть уверенным в том, что я способен привнести в живые выступления что-то новое.

Похоже, за время работы в студии ты стал более конкурентоспособным.
Безусловно. Фишка в том, что мне уже 52, но на пенсию не собираюсь – я еще покажу вам, что такое музыка. Я прихожу в клуб, раскачиваю молодежь, они спрашивают о моем возрасте и узнают, что мне 52. И они говорят: «Ого, да моему отцу еще нет 52!». В такие моменты я чувствую, что поработал плодотворно. Все говорят мне: «Да, чувак, ты просто уделал их».


Что сделало этот период твоей работы особенно удачным?
Выступления в Boiler Room. Мой лейбл, Rekids, собирался организовать шоу с Ниной Кравитц, Мэтом Эдвардсом (он же Radio Slave) и со мной. Нины не было в городе, и шоу было отменено. Однако в городе был мой приятель Semtek, и он сказал: «Слушай, у меня есть место в Boiler Room, и я бы смог туда попасть, если ты выступишь». Тогда, помнится, я сидел на диване и раздумывал над этим предложением. Достаточно ли у меня уверенности в том, что стоит это делать? И тогда мои друзья сказали, что мне необходимо заявить людям о себе. Я пришел в клуб и несколько огорчился уже на этапе настройки звука. Я спросил у девушки, настраивающей видео, видела ли она меня прежде. Получив отрицательный ответ, я утвердился во мнении, что проблем с видео мне не избежать.

Затем организаторы вдруг заволновались: «Черт возьми, да как нам поймать его в объектив?». Позже я перегрузил звук, потому что не хотел, чтобы кто-то слышал оригинальное звучание, зная, что люди потом захотят скачать эти треки. К счастью, там были мои друзья, и я имел какую-никакую поддержку, а также немного текилы Patron. В конце концов, я подумал, что выступление в этом клубе не является такой уж дурацкой идеей, я сделал свое дело, я наслаждался игрой, но я совсем не знал, что мое выступление станет таким популярным. Оно и по сей день является моей визитной карточкой. На следующий день после шоу я прочитал комментарии, где вчерашний вечер был назван лучшим в Boiler Room за все время его существования. Я был на седьмом небе от счастья и выпил столько текилы, что опьянел вконец. Однако я был в тот момент счастливее, чем когда бы то ни было.

Я видел то выступление и, помню, меня впечатлила твоя жесткость и бескомпромиссность. Молодежь любит мягкие переходы, но ты не пошел у нее на поводу, и, чем жестче была музыка, тем более эмоционально танцевала публика.
Да! Это было сумасшествие! Я играл вне всяких правил, я ошибался, но я считаю, что именно в ошибках кроется совершенство. Иногда именно плохое сочетание баса и клавиш в треке является самым цепляющим моментом. Не важно, как звучат инструменты, важно лишь то, что я слышу и чувствую, важно только это.

По материалам residentadvisor.net
avatar

Mr G (Rekids)

Опубликовал в блог Интервью
0
Mr G

Замысловатые лупы, насыщенный бас и сэмплер, с которого все и началось, – мастер тек-хауса рассказывает, как он делает свою работу


Те, кто следил за Mr G в течение последних 15-ти лет, вероятно, ассоциируют его с Лондоном, который он называет своим домом. За исключением четвергов, когда Колин МакБин совершает свое еженедельное паломничество в столицу (и возвращается с кучей новых записей и парой бутылок отборного рома), местом жительства музыканта остается крохотная студия на втором этаже в чудаковатом городке-ярмарке, расположенном в 30 минутах езды от Лондона. Это может показаться несколько старомодным, особенно если учесть, что так живет человек, прилично зарабатывающий на своем собственном лейбле Phoenix G и Rekids, выпуская хиты в стиле тек-хаус. Но все знают, что у этого парня, стоящего за горой оборудования и решившегося начать серьезную карьеру в возрасте далеко за 30, в любом случае все бы получилось.


Ты сказал, что не позволяешь никому войти в свою студию, пока не почувствуешь этого человека. Не мог бы ты описать атмосферу этой комнаты – то, чем не хочешь делиться с «чужаками»?

Атмосфера моего дома – это музыкальное сумасшествие, приправленное тяжелым басом. Мои динамики кричат каждый день, они всегда на грани, подпрыгивая на басовых частотах. Ну вот, как-то так.

[Показывает на фоторамку, стоящую на подоконнике] Это мой старый друг с последнего альбома, парень, который уже не с нами (именно он был моим вдохновением). Эта рамка стояла прежде в моей старой квартире, которую он снимал, и ради этого бедолаги, страдавшего от опухоли мозга, я бросил свою карьеру. Я был его круглосуточной сиделкой в течение 8 месяцев. Я вернулся из Японии, пришел навестить его и увидел, что в квартире царит беспорядок – он уже не мог стоять на ногах, он падал и ронял вещи вокруг.

Я отвез его в больницу, где сказали, что мой приятель носит в своей голове огромную опухоль размером с половину мяча для гольфа! В течение семи недель мы проходили с ним радио- и химиотерапию. Я должен сказать, что эти визиты в больницу были самым трудным, это изменило мою жизнь. Мой друг всегда со мной, он тоже был музыкантом, он помог мне отыскать себя. Мои живые выступления – это он, это мой друг.

Являлась ли студия местом, где в тебе рождались эмоции, где ты выплескивал проблемы, связанные с болезнью друга, пока он был еще жив?


Если я был зол, если я был раздосадован, или если мы не разговаривали, я поднимался сюда. И, конечно, тогда в песнях появлялись ругательства и прочие глупые моменты, которые отображали мое состояние.

Бывало ли так, что ты приходил в студию с вопросом, а уходил с ответом?
О, да. Иногда я приходил и думал, что у меня все хорошо, но на выходе получались грустные, меланхоличные треки. Тогда я задумывался: «Так, выходит, именно это сегодня внутри меня?». Это шокировало. Вы задаете себе вопрос, и ответ должен быть правдивым.

Давайте поговорим о твоем оборудовании. С чего начнем?
Это – моя крошка! Avalon [VT-747SP], предусилитель с эквалайзером. Это тяжелая штука!



Какой вклад Avalon вносит в твое звучание?
Ну, возможно, он не определяет весь звук, однако кое-что все же решает. Я никогда не меняю его настройку, я нашел одну-единственную верную и всегда использую ее. Такая настройка сразу же даст мне понять, хорошо я свел трек или не очень. Я прекрасно знаю звук Avalon, поэтому я сразу понимаю, что, скажем, какой-то канал звучит слишком громко. Однако у Avalon есть и ряд весьма странных свойств. Например, если перегрузить его, один из каналов может «выпасть». Или, если перестараться с басом, две полоски на дисплее могут превратиться в четыре. Так или иначе, этим предусилителем очень легко пользоваться. Когда я только купил его, я испытал ненависть и раздражение из-за его слишком мягкого встроенного компрессора. Так что, даже если повозиться со звуком, он все равно будет слишком «теплым».

Ну, это «лампа», не так ли?
Точно. Если завтра я планирую микшировать, я оставляю усилитель включенным на всю ночь, он, что называется, «прогревается» и наутро выдает чудесный звук. Чем дольше он работает вхолостую, тем более теплый и глубокий звук получается на выходе, только здесь главное — не переборщить, иначе звучание будет не слишком разборчивым.

Как долго ты используешь Avalon?
Знаешь, я его купил сразу после подписания контракта с Defected, они ведь мне заплатили. Раньше я много читал об этом усилителе, у Roni Size был подобный. Вообще, множество музыкантов владело таким же усилителем, и я опирался на их отзывы, просто подумал, что не могло столько профессионалов купить ерунду.

Твои треки отлично «качают», и, я думаю, компрессия здесь сыграла не последнюю роль.
Если честно, компрессии в моей музыке как раз мало, все натурально. Как я уже сказал, Avalon сам по себе дает теплое звучание. Моим наставником был Тодд Терри, он все записывал в «моно», и я делаю так же – пишу два «моно»-трека. А затем, выступая в клубе, пускаю эти дорожки в разные каналы. Можно послушать записи и сказать: «Ого, эти музыканты потратили много времени на освоение «стерео». Однако я заявляю, что таких тонкостей расслышать невозможно. Не теряйте времени, возясь со всеми этими техническими премудростями.

Вернемся немного назад. Как начиналась ndjz студия, с какого оборудования?
Так, первым был MPC, я взял его у Циско Феррейры.

Почему именно MPC?
Я никогда не был человеком, который может долго усидеть перед компьютером – я принадлежу к другому поколению. Вообще, я пришел ко всем этим онлайн-штукам нехотя. Все эти операции, когда вы двигаете блоки мышкой в музыкальном редакторе, я предпочитаю проделывать в уме.

Так или иначе, MPC было и остается очень сложным оборудованием, с множеством кнопок и опций.
В этом-то и заключается его прелесть. Быть может, я вообще пользовался им неправильно, у меня не было никаких навыков, я учился исключительно самостоятельно. Как-то я встретил парня из Akai, и он сказал, что никто не пользовался MPC так, как я делаю это на своих выступлениях. Он все удивлялся, как мне удавалось извлекать столько звуков из этого оборудования. Я просто делал звук теплее или отключал реверберацию – в большом помещении MPC и так будет производить этот эффект, так зачем же его дублировать.

Я стараюсь соблюдать гармонию звука в каждом кусочке своих композиций. Очень люблю MPC. Я могу быть в студии с ударными. Совсем не переживаю за их громкость или другие параметры, так как всегда могут все доработать, дополнить и поправить позднее. Первыми идут идеи, затем я создаю ритмическую основу и думаю, что я мог бы добавить к ней. Я могу сделать три или четыре дорожки ударных, послушать их вместе и решить, какие годятся, а какие нет.

А что было после MPC?
Уже не помню имени парня, но парень из магазина Isle of Wight продавал свои 909 и 808 и что-то там еще. Правда, я все еще так и не поработал с 808, потому что я не фанат электро. Позже я работал с Waldorf Pulse, потом с Juno 106 и Korg MS2000, с которыми, надо сказать, я создал 80 процентов своей музыки. Я знаю, что это MS-20 для бедняков, но зато я изучил его вдоль и поперек. Когда я однажды забрал его из ремонта, понял, что мое звучание потеряно, и вновь начал настраивать инструмент, пока не отыскал его.

Затем в углу студии появился Roland, чуть позже под ним добавился Korg. У меня везде было расставлено кассетное оборудование, я все еще записываю музыку на кассеты, потому что люблю компрессию. И тогда, если честно, я понял, что Waldorf Blofeld меня разочаровал.


Но почему?
Слишком много кнопочек и разных клавиш, с таким оборудованием непросто работать. На то, чтобы издать один-единственный звук, уходит целая вечность, и это чертовски раздражает меня. Знаете, Waldorf прекрасно выглядит, я чувствую его, но это слишком тяжелая артиллерия, внешне он куда лучше, чем на деле.

У вас есть какой-то план по закупке нового оборудования?
Все, что я покупал, приобреталось для какой-то конкретной цели, я никогда не выбирал оборудование, будучи очарованным его внешним видом или следуя моде. Иногда я ждал год, а то и два, прежде чем мне удавалось купить то, что нужно, так что, приобретая именно необходимое оборудование, вы раз и навсегда влюбляетесь в него.

Какой же необходимостью была продиктована покупка MS2000?
Мне нужно было устройство, позволяющее более гибко работать с осцилляторами и получать более широкую гамму звуков. В былые времена все использовали MS-20, так что я решил попробовать MS2000. Мне потребовалось время на то, чтобы разобраться с управлением, но затем я осознал всю прелесть клавиш и ручек – ты играешь, находя в процессе именно те звуки, которые необходимы. Как только я достиг этого этапа, то начал доверять инструменту. Я бы хотел вернуться назад и попробовать проделать то же самое со 106, однако все сложилось так, что я работаю с MS.

Какое оборудование является центральным в студии?
Для меня главным является эквалайзер. Я создаю звук, накладываю легкий эффект – или обхожусь без него – а затем сэмплирую все это в MPC и уж после играюсь с полученным результатом так, как душе угодно. Я, безусловно, хорош в одном – позволяю концовке сэмпла самой «выбрать» свой звук.

Соединяя два звука воедино, я всегда слышу третий – звук, возникающий при контакте тех первых двух. Два звука всегда создают третий, и эта комбинация из трех звуков и создает «скелет» трека. Для этого «скелета» я прописываю басовую линию, добавляю хай-хет или что-то еще, затем прогоняю результат через эквалайзер, нахожу моменты, которые действительно цепляют меня, и на этом завершаю работу над композицией. Имея эквалайзер, вы всегда можете быстро попробовать новое звучание и собрать свою собственную звуковую картину.

«Да, мне 52, но я не собираюсь на пенсию – я еще задам вам жару».

Ты сказал, что два звука создают третий. Ты имел в виду эффект тайминга?
Тайминг дает вам свободу действий, вы можете с его помощью создать даже элемент ритма. Имея кучу сэмплов даже с короткими концовками, вы всегда можете создать с помощью тайминга нечто невообразимое. Затем, откинувшись на спинку кресла и сделав погромче звук, вы понимаете, что этот таинственный звук создан всего лишь двумя или тремя окончаниями ваших сэмплов. Если это работает, почему бы не использовать это?

Раз уж ты записываешь треки в моно, убрав компрессоры в дальний угол, тогда, должно быть, у тебя много свободы для работы над композициями с помощью микшера. Расскажите, как ты подходите к эквализации.
Ты прав. Без компрессоров мы получаем конфликт между «бочкой» и басом, однако для моей музыки этот конфликт является основообразующим. У меня получается мягкая «бочка», которая отчаянно соревнуется с басовой линией. Однако бас-барабан должен доминировать, а бас-гитара должна как бы быть снизу. Я люблю средние частоты и щедро добавляю их в свои композиции, что помогает заполнить пустоту. Иногда при эквализации я полностью срезаю «середину», добавляю новую дорожку и снова возвращаю ее в исходное положение.

Я воспринимаю музыку как картину, рисуя ее и заполняя пустые места. Басовая линия – это основа, которую я либо усложняю, либо дополняю ударными. [Играет луп ремикса A1 Bassline].Здесь бас весьма запутан и усложнен – эдакий бас в стиле «регги». Все остальное должно подстроиться под бас, и, если этого не случится, будет плохо.

Продолжение статьи. Часть 2>>
avatar

Robag Wruhme: "Вообще я люблю работать один"

Опубликовал в блог Интервью
0
Наш следующий герой интервью — Габор Шаблицки. Участник дуэта Wighnomy Brothers, сейчас он выступает сольно как Robag Wruhme и выпускается на небезызвестном лейбле Kompakt. Послушать веселый текхаус немецкой звезды можно будет на нашей вечеринке 23 ноября.



Расскажи для начала, откуда взялся твой псевдоним?

Мое настоящее имя Габор. Робаг — это мое имя справа налево. А Wruhme было просто придумано.

Как ты открыл для себя электронику и техно в частности? Что такое музыка для тебя?

Я открыл ее для себя еще во времена восточной Германии. Увлекся Vangelis, Jarre и позже Depeche mode. А в начале 90-ых меня заинтересовали такие лейблы, как Оverdrive и Warp.

Во всех ваших проектах (сольно или как Wighnomy Brothers) у вас всегда чувствуется если не юмор, то хорошая ирония. Это было изначально задумано или получается непроизвольно?

Ну, Wighnomy productions — это тоже мои композиции. На самом деле я не смешной, а слишком серьезный. Всегда!



Для вас работа над альбомом чем-то принципиально отличается от работы над отдельными синглами? То есть альбом должен обязательно иметь некую концепцию и целостность, или же должен быть просто набором удачных треков?

Да, отличается, ведь тут надо рассказать историю с десять или даже больше треков.

Какой ты видишь идеальную для тебя вечеринку?

Для нее нужен отличный звук, немного света и видео-проекции, и, конечно же, хорошая публика.



Какой совет ты бы дал от себя молодым продюсерам?
Обязательно использовать все возможности и свою креативность для создания музыки.

С кем бы ты хотел поработать над написанием музыки или же совместно поиграть?

Вообще я люблю работать один.

Какого твое мнение по поводу популярной темы hardware vs software?

Это действительно обсуждаемая тема? Мне кажется, это не важно — как именно сделана музыка. Важен лишь результат. Если диджей использует софт, то это нормально, а вот если диджей нажимает кнопку «Sync», у меня портится настроение. Потому что это предательство нашей работы.

Ты приезжаешь в Россию впервые. Что ты знаешь о ней Петербурге, знакомо ли тебе, может быть, творчество каких-то наших электронных музыкантов?
Да, я буду в Петербурге в первый раз! Мои родственники бывали тут много раз, а теперь я очень жду увидеть все сам, своими глазами, а не только на фотографиях.
А из русских мне нравится Long Arm.



avatar

Интервью с участниками проекта SCSi-9 (Антон Кубиков и Максим Милютенко)

Опубликовал в блог Интервью
0
К нам на празднование 15-летия магазина «База» едет один из самых известных московских коллективов — SCSI-9, в лице основателей лейбла Pro-Tez Records. Антон Кубиков и Максим Милютенко как-то уже давали нам интервью, но сейчас поделились свежими новостями, взглядами на современную электронику и своими планами.



Вы давно играете лайв. Что за это время поменялось в музыкальной концепции и подаче? в выступлениях? или в студийной работе?

Максим: По сути мало что поменялось — лишь усоверщенствовались средства производства. И стали дешевле. Мы по-прежнему избегаем работы в Ableton Live и полностью опираемся на преимущества работы вдвоем в Logic. То же самое делают и многие именитые коллеги, такие как Chemical Brothers и Underworld. Просто сейчас все можно делать быстрее и проще. А технологическая схема та же.

Что нового сейчас ждать от проекта SCSI-9? Какие планы на ближайшее будущее? Что вообще сейчас происходит в коллективе?

Антон: На данный момент мы взяли паузу, хотя продолжаем делать ремиксы для друзей, да не только. Работа над новым материалом начнется с весны следующего года и это будет нечто совершенно особенное, выходящее за прежние рамки. Ну а пока мы выступаем в привычном амплуа SCSI-9.

Что сейчас происходит с вашим лейблом Pro-tez?

Максим: Лейбл Pro-Tez сейчас с гордостью выпускает свой 33й релиз. Если раньше мы публиковали только российских артистов, то теперь у нас появились и артисты из других стран (например, Jamal Moulay). Мы по-прежнему выпускаем винил, хотя это и убыточно. Но — винил важен! Это материальный носитель, это то, что можно подарить, передать по наследству и т.д. В какой-то момент была даже идея попросить у государства дотацию на это дело, по аналогии с тем как работает Гете-интститут и другие его зарубежные коллеги. Однако трезвый взгляд на культурную политику нашей страны заставил отказаться от этой идеи. Боремся как можем, не сдаемся.

Назовите несколько особенно выдающихся мероприятий за последнее время, на которых вам довелось побывать как участникам или гостям. Что это были вечеринки или фестивали?

Антон:   Мы сейчас так заняты студийной работой и сторонними проектами, что не особо много путешествуем и редко бываем на мероприятиях.

Максим: Кажется, это было в прошлом году — концерт Apparat в Москве. Великолепно.

Каковы, по вашему мнению, главные сегодняшние тенденции электронной сцены? Мы уже спрашивали вас об этом, когда брали интервью год назад. 
За это время что-то изменилось, как вам кажется?


Антон: Вряд ли что-то поменялось, как всегда, наиболее интересные работы связаны сейчас с мультимедиа.

Максим: Какую-то явную тенденцию, если она и существует, очень трудно поймать за хвост. Вот когда появился, например, даб-степ, многие воодушевились, мол, вот он — прорыв. Но этого энтузиазма больше нет. Критикам нравятся странные, не похожие на другие музыкальные проекты, они всегда ищут новизны. И пусть чем страннее, тем лучше. Однако любой артист, который выйдет с такой музыкой в ночной клуб в пятницу, серьезно рискует — народ приходит танцевать, и на эксперименты и новизну многим начхать. Про мультимедиа — чтобы это делать действительно интересно (не имею ввиду традиционный виджеинг), нужна большая и компетентная команда, а это дорого. Именно поэтому это явление не может пока стать массовым.

Какие заведения в Москве, на ваш взгляд, сейчас наиболее актуальны?

Антон: По-моему, сейчас это такие заведения, как Arma, Gipsy, Shanti, Propaganda.

Вы выступали и в маленьких клубах, и на огромных фестивалях. Какие выступление удовлетворяют вас больше и почему?

Антон:  По мне так размеры вечеринки не важны. Важен только контакт и получаемый фидбэк.

Максим: А мне маленькие площадки нравятся больше. На них легче создать атмосферу и установить этот самый контакт с публикой.



Кого вы можете отметить из интересных, на ваш взгляд, новичков электронной сцены среди диджеев, продюсеров?
 
Антон: Хочется отметить из наших (лейбл Pro-Tez Records) таких людей, как Jamal Moulay и Harry Light.

Максим: Я назову Polar Lights. 

Если бы вы не стали музыкантами, чем хотели бы заниматься помимо музыки?

Максим: Я, помимо работы в коллективе, работаю так же переводчиком и звукорежиссером.



С кем бы вы хотели поработать над написанием музыки и вообще сотрудничать?

Максим: Было бы круто, если бы Дэвид Боуи согласился спеть, но мы стесняемся попросить (смеется).

Вы уже столько лет занимаетесь электронной музыкой и диджеингом. Скажите, это может надоесть? И где вы ищите для себя мотивацию заниматься этим дальше?

Антон: Мотивация вокруг нас, реальность — это наша мотивация. Артисты чувствительны, они реагируют на все вокруг.
 
Максим: И если ты чувствуешь, что то, что ты делаешь, нравится слушателю — это уже главная мотивация. Если ты чувствуешь, что то, что ты делаешь, не нравится — это демотивация. К сожалению, в жизни случается и то, и другое.

Какой самый важный инструмент для вас в ваших композициях?
 
Антон: На данный момент NI Reaktor.

Что для вас электронная музыка в целом?
 
Антон: Это вибрация.

Максим: Для меня лично — возможность создать любой тембр.

Какого ваше мнение по поводу популярной темы hardware vs software?
  
Антон: Главное, независимо от процесса создания — это результат. Например, Кораблев готовит релиз, в котором использует лишь фортепиано.

Максим: В принципе, тут я согласен с Антоном. Но транзисторы я все же люблю больше, чем двоичный код.

Антон, многие уже знают, что ты пишешь стихи. Не пробовал ли ты применять их в ваших треках?
  
Антон: Пару раз я это делал, и тогда получилось вполне удачно. Но я этим все же не особенно увлекаюсь.
 
Как вы обычно проводите будни и выходные дни когда вы дома, а не на гастролях?

Максим: Мы все теперь семейные люди, и если в выходные не уезжаем куда-то, то проводим их только с близкими.



Назовите несколько любимых музыкальных имен, которые уже навсегда останутся у вас в любимчиках, и назовите музыкантов, которые вдохновляют вас.
   
Антон: Для меня это такие имена, как Matthew Herbert, Peter Kersten (Lawrence), Ricardo Villalobos, Eric Satie и, пожалуй, Phillip Glass.

Максим: Назову в первую очередь Pink Floyd, Police, Air и еще Boards Of Canada.

Какой совет вы бы дали молодым музыкантам и продюсерам?

Антон: Широко закрыть глаза.